Отправлено: 04.03.09 15:14. Заголовок: Анна Павлова

"КЕМ была эта женщина? В интервью журналу «Солнце России» сама Анна Павлова называла себя «монахиней искусства». Поклонники считали ее божественной танцовщицей, критики — символом балета, историки — выдающейся личностью двух столетий (поскольку родилась Павлова в 1881 г., а умерла в 1931 г.). На самом деле она была и остается ВЕЛИКИМ СИМВОЛОМ русского искусства ХХ века.

Анна стала легендой при жизни, соткав из незримых нитей собственный миф. Она не давала интервью, но газеты писали о ней каждый день. Она не любила говорить о себе, но о ней говорили миллионы."

http://gazeta.aif.ru/online/aif/1059/10_01

 Отправлено: 04.03.09 15:15. Заголовок: http://i29.photobuck..

 Отправлено: 04.03.09 15:24. Заголовок: АННА ПАВЛОВНА ПАВЛО..

АННА ПАВЛОВНА ПАВЛОВА – ТАНЦУЮЩИЙ БРИЛЛИАНТ ИЛИ ОЖИВШЕЕ ВДОХНОВЕНИЕ

Быстротечное время всегда безжалостно к прекрасному в любых его формах и видах: краски на картине с годами блекнут и стираются, слова в старинных книгах бесследно исчезают в омуте беспамятности новых поколений. Но всего безжалостнее время к прекрасному в танце, в искусстве движений, жестов, мимики..

В одном из древних мифов ярко и живо описываются страдания юной девушки, которая хотела сделать свой танец живущим вечно, поскольку это было то, единственное, в чем она была неподражаема, единственное, что умела! День и ночь не отходила искусная танцовщица от святилища в храме, простирая руки к священному огню.

И, наконец, смилостивившись, сама Повелительница муз с улыбкою ответила на ее жаркие мольбы, что это возможно будет лишь в том случае, если девушка вложит в танец свою душу. И, возможно, тогда она и сама станет Музой танца!
Скрытый текст

АННА ПАВЛОВНА ПАВЛОВА – ТАНЦУЮЩИЙ БРИЛЛИАНТ ИЛИ ОЖИВШЕЕ ВДОХНОВЕНИЕ Быстротечное время всегда безжалостно к прекрасному в любых его формах и видах: краски на картине с годами блекнут и стираются, слова в старинных книгах бесследно исчезают в омуте беспамятности новых поколений. Но всего безжалостнее время к прекрасному в танце, в искусстве движений, жестов, мимики.. В одном из древних мифов ярко и живо описываются страдания юной девушки, которая хотела сделать свой танец живущим вечно, поскольку это было то, единственное, в чем она была неподражаема, единственное, что умела! День и ночь не отходила искусная танцовщица от святилища в храме, простирая руки к священному огню. И, наконец, смилостивившись, сама Повелительница муз с улыбкою ответила на ее жаркие мольбы, что это возможно будет лишь в том случае, если девушка вложит в танец свою душу. И, возможно, тогда она и сама станет Музой танца!

 Отправлено: 04.03.09 15:28. Заголовок: http://s40.radikal.r..

«На танец я всегда пыталась накинуть воздушное покрывало поэзии.»
Анна Павлова

 Отправлено: 04.03.09 15:29. Заголовок: http://s56.radikal.r..

 Отправлено: 04.03.09 17:42. Заголовок: http://www.youtube.c..

 Отправлено: 18.03.09 16:33. Заголовок: «Давайте больше та..

«Давайте больше танцевать и постараемся обрести больше красоты в танце так же, как и в жизни. Истинный художник — танцует ли он или делает нечто иное — всегда стремится к красоте. Так давайте же станем миром истинных художников, как становимся миром танцовщиков, поскольку, заменяя уродство красотой как в видимых изображениях, так и в неосязаемых областях, мы понемногу приближаемся к счастью и совершенству.»
Анна Павлова

 Отправлено: 26.03.09 20:36. Заголовок: «Дягилев. Постскриптум»

САНКТ-ПЕТЕРБУРГ, 25 марта. Первый Международный фестиваль искусств «Дягилев. Постскриптум», приуроченный к 100-летию знаменитых «Русских сезонов» Сергея Дягилева , пройдет в Эрмитажном театре с 12 по 19 октября. Об этом сообщает пресс-служба комитета по культуре северной столицы.
Скрытый текст

Дягилев – знаковая фигура ХХ века. Благодаря ему русское искусство вышло на мировую арену и стало мощнейшим фактором развития мировой культуры. Волна русского влияния прокатилась по всем континентам. Сейчас в Россию стало возвращаться значительно обогащенным то, что, благодаря Дягилеву, Россия когда-то дала миру. Работа над подготовкой Фестиваля началась в 2008 году по инициативе петербургского государственного Музея театрального и музыкального искусства (хранителя оставшихся в России дягилевских реликвий), Александринского театра и Государственного Эрмитажа. Программа первого фестиваля представляет все те искусства, в продвижении которых преуспел великий импресарио: живопись, балет, опера, и, продолжая традицию Дягилева, фестиваль объединит Россию, Европу и США в единое культурное пространство. Откроет Фестиваль 12 октября выступление прославленного Гамбургского балета Джона Ноймайера , известного адепта русского балета и блестящего знатока его истории. В ходе фестиваля состоится открытие двух больших выставок: «Дягилев. Начало» в Государственном Русском музее (14 октября) и «Танец. Приношение Дягилеву» (15 октября) в Государственном Эрмитаже. Специальным гостем фестиваля станет знаменитый итальянский ювелир Диего Перкосси Папи, создавший уникальные ювелирные украшения ко многим знаменитым фильмам. В афише фестиваля: опера-гала в Большом зале Санкт-Петербургской Филармонии, концерт Академии Русского балета имени Вагановой, научная конференция в Санкт-Петербургском университете, Санкт-Петербургский Дом музыки представит лучших российских молодых музыкантов в концерте на инструментах из легендарной «Императорской коллекции» Музея музыки. Закроет фестиваль гала-концерт звезд мирового балета с участием Большого театра России, который представит одноактный балет «Русские сезоны» на музыку Леонида Десятникова в хореографии Алексея Ратманского . Фестиваль проводится при поддержке Комитета по культуре Санкт-Петербурга.

http://news.mail.ru/inregions/st_petersburg/91/2457091

 Отправлено: 26.03.09 20:46. Заголовок: Вера Каралли

Вера Каралли

Десятилетнего ребенка, дочь провинциального антрепренера из обрусевшей греческой семьи, отданную в Московское театральное училище, замечает уже на экзамене в 1899 году директор императорских театров Владимир Аркадьевич Теляковский и вносит в свой бесценный дневник. Несмотря на болезнь (искривление позвоночника) и временную приостановку занятий, девочка заканчивает обучение по классу Александра Горского, в августе 1906 года поступает в Большой театр сразу в корифейки, а вскоре занимает и положение первой солистки. Ее дебютом осенью 1906 года становится, ни больше ни меньше, Одетта-Одиллия в «Лебедином озере». Неопытность балерины сразу становится достоянием прессы, однако это не препятствует ее дальнейшему продвижению. Напротив, Горский в следующем году специально для нее ставит «Жизель». Каралли, послушная новому, реалистическому замыслу уже влюбленного в нее учителя, создает партию, где драматическая игра теснит танец, где она громко хохочет в сцене сумасшествия, так, что Теляковскому делается неожиданно «жутко» и он отменяет этот «пассаж». Роль остается за Верой Каралли в течение многих лет.
Вслед за дебютами началось быстрое расширение репертуара: «Дочь фараона», «Тщетная предосторожность», «Баядерка», «Раймонда», «Дон Кихот». Каралли быстро становится известной фигурой московского балета. В октябре 1908 года начинается их роман с Леонидом Собиновым. Они случайно знакомятся за кулисами во время «Лакме». Каралли даже не знает, что перед ней первая знаменитость московской сцены и международная оперная звезда. Балет во все века жил отдельно от оперы, хотя и принимал участие в оперных постановках. Собинов оставляет Елизавету Михайловну Садовскую, актрису Малого театра и сестру Прова Михайловича Садовского. Этот разрыв Елизавета Михайловна переживала очень тяжело. 

Общеизвестно, что Собинов пользовался баснословным успехом у женщин. Да и как могло быть иначе при его красоте и таланте? В свое время столичные газеты сообщали о трагикомическом случае с известным театральным критиком С.Кругликовым. Он имел неосторожность публично возмутиться "психопатическим писком женщин и дев", который "грубо нарушает художественное значение серьезной демонстрации", имея в виду поведение поклонниц Собинова на оперном спектакле. Разозленные "собинистки" прислали Кругликову на дом " посылку, в которой критик обнаружил пучок розог и записку с угрозой применить присланное "орудие возмездия" по назначению. Бывало, что с концерта Собинов приходил рассерженным: пока он пробирался сквозь толпу поклонниц, они успевали оторвать от его фрака фалды "на память".
      Видимо, смирясь в конце концов со своей горькой участью, он как-то во время репетиции набросал экспромт:
      Не по таланту знаменит, Не по заслугам заслужён, Жизнь прожил душка Леонид И умер под рыданье жён ...
      Со стихотворного экспромта начался и роман Собинова с блистательной балериной Верой Каралли. Октябрьским вечером 1908 года в Большом театре давали оперу Делиба "Лакме". В спектакле были заняты Леонид Собинов и Антонина Нежданова. Как всегда, этот дуэт завораживал слушателей. По точности интонирования, безукоризненному строю, виртуозной вокальной технике он мог соперничать с лучшими инструментальными ансамблями. Спев свою партию, Леонид Витальевич, спокойный и сосредоточенный, в ожидании выхода на сцену прохаживался за кулисами. Вдруг его внимание привлек веселый девичий смех. Две хорошенькие девушки обсуждали какие-то события своей юной жизни. Казалось, то, что происходит на сцене, не возбуждает у них никакого ин-тереса. Одну из них, одетую в шубку, он видел в театре впервые. Их взгляды встретились, и это решило все.Скрытый текст

"Кто это?" — спросила девушка. "Ты с ума сошла! — зашептала подруга. — Это же Собинов!" Пробегавший мимо администратор строго заметил новенькой солистке, что находиться в театре в верхней одежде запрещено. Смущенная девушка поспешила к выходу. Но не успела она подняться по лестнице, как почувствовала, что кто-то легко, но настойчиво берет ее под руку. Тот же самый служащий извиняющимся голосом сказал: "Простите за замечание, Леонид Витальевич очень просит вас вернуться. Если вы соблаговолите послушать его в этой роли, то доставите ему огромное удовольствие". Обернувшись, она увидела знаменитого тенора, выходящего на сцену. Его лицо светилось.       На следующий день они встретились в театре. Леонид Витальевич готовил роль Лоэнгрина, а Вера Каралли, только что принятая в труппу Большого, пришла на репетицию.       «И вот ко мне навстречу вместе с З.Н.Николаевой шел, как юноша, веселый, сияющий, улыбающийся Собинов, которому в то время было тридцать шесть лет. Вспоминая его сейчас, мне хочется повторить слова Л.Н.Толстого: "Мне кажется, что в одной улыбке состоит то, что называют красотой лица!!!"» — писала много лет спустя Вера Алексеевна Каралли.       Через несколько дней курьер доставил ей билеты в ложу бельэтажа на спектакль "Евгений Онегин" и письмо, в котором были стихи:       Той, которая всегда Так пленительно смеется, Той, к которой иногда Мое сердце так и рвется.       Письмо было анонимным, но для Веры не составило труда догадаться, кто автор. Она была тронута и, придя на спектакль, передала Леониду Витальевичу букет роз. Тоже инкогнито. Собинов недолго мучился догадками и на другой же день послал Вере в ответ огромный букет ярко-алых роз в "неправдоподобно красивой" вазе.       Кстати, у Веры Каралли была очень интересная судьба. Совсем юной она дебютировала в Большом театре в заглавной партии "Лебединого озера". В ее репертуар очень быстро вошли ведущие роли классического репертуара. Она танцевала в "Дочери фараона", "Жизели", "Спящей красавице", "Дон-Кихоте", "Раймонде"... Снималась в первых российских кино-фильмах, деля славу с Верой Холодной. Но в 1916 году ее судьба круто изменилась из-за того, что она стала участницей заговора против Григория Распутина. Именно Вера Каралли по просьбе великого князя Дмитрия Павловича написала Распутину письмо с приглашением посетить дом князя Юсупова в роковую ночь 16 декабря. После этого Каралли отстранили от сцены, и дальнейшая ее сценическая деятельность проходила уже в эмиграции. Надо сказать, что и там ей сопутствовал большой успех. В славе она не уступала гастролировавшей по Европе Анне Павловой. Жаль только, что ее имя сейчас так мало говорит соотечественникам... Можно восхититься не только искрящейся веселостью, легкостью слога, но и способностью к самоиронии великого певца, лучшего исполнителя партий Ленского, Лоэнгрина, Ромео и Вертера на русской сцене. Эти роли он и сам считал удавшимися. Другие свои партии судил строже. А всего за 35 лет сценической деятельности Собинов исполнил 42 вокальные партии. Ни одна из них не оставила слушателей равнодушными.

Начинается совместная жизнь с Собиновым, описанная самой Каралли через полвека, в 1963 году. Вера Алексеевна передает атмосферу их дома тех лет, в котором бывали Рахманинов и Кусевицкий с женой, где шли постоянные разговоры о музыке. Собинов перед началом московского сезона уезжал обычно в Милан поработать с итальянским маэстро и писал Каралли ежедневно оттуда письма, называя их «мой дневник в Милане». В мае 1909 года она присутствует в Лондоне на его концерте с Кусевицким. Весной 1910 года уезжает с Собиновым в его турне по городам России. Начали с Варшавы, потом Лодзь, Вильно, Рига, Екатеринослав, Ростов, Новороссийск, Орел, Харьков, Воронеж, Тамбов, волжские города Саратов, Казань, оттуда двинулись в Сибирь-Томск, Иркутск, где их занесло снегом. Видели Байкал, были в Чите, достигли Харбина, Хабаровска и закончили Владивостоком.
В 1911 году после завершения сезона в Большом театре Собинов отправляется в Милан, в «Ла Скала», петь «Ромео и Джульетте». На эти гастроли Вера также ездила с ним.
http://botinok.co.il/node/50209

 Отправлено: 30.03.09 19:26. Заголовок: Dorothée Gilbert

Dorothée Gilbert (1985 г.р.) - французская балерина.

http://www.dorothee-gilbert.com/


http://www.youtube.com/watch?v=wSf7FISr7To

 Отправлено: 31.03.09 13:58. Заголовок: Сергей Павлович Дягилев

Сергей Павлович Дягилев
Сергей Павлович Дягилев [19(31).3.1872 - 19.8.1929] - российский театральный деятель. В 1896 году окончил юридический факультет Петербургского университета (одновременно учился в Петербургской консерватории у Римского-Корсакова). В конце 1890-х годов был одним из создателей объединения "Мир искусства" и редактором (совместно с Александром Бенуа) одноименного журнала (1898/1899-1904). Организатор художественных выставок ("Историко-художественная выставка русских портретов" в Петербурге, 1905; выставка русского искусства в Осеннем салоне в Париже, 1906; и др.), способствовавших пропаганде русского изобразительного искусства. Энергичный антрепренер, Дягилев с 1907 года организовывал ежегодные выступления русских артистов - так называемые "Русские сезоны за границей": в 1907 году - симфонические концерты, носившие название "Исторические русские концерты", в которых выступали Н. А. Римский-Корсаков, Сергей Рахманинов, Александр Глазунов, Федор Шаляпин и др.; в 1908 году - сезоны русской оперы; в 1909 году - первые оперно-балетные выступления (балетные сезоны длились до 1913 года). Для гастролей балета Дягилев пригласил М. М. Фокина, Анну Павлову, Вацлава Нижинского, Т. П. Карсавину, Е. В. Гельцер и других прославленных танцовщиков. С этой труппой Дягилев выезжал в Лондон, Рим, в города Америки. Выступления явились триумфом русского балетного искусства и способствовали развитию (иногда возрождению) балетных театров в странах, не имевших ранее своего балета или утративших традиции (США, Латинская Америка и др.). Новаторское по характеру оформление балетных и оперных спектаклей, выполненное А. Н. Бенуа, Львом Бакстом, А. Я. Головиным, Николаем Рерихом, Н. С. Гончаровой и другими художниками, относится к наиболее выдающимся образцам мирового театрально-декорационного искусства, оказавшим значительное влияние на его развитие в 1-й четверти 20 века. В 1911 году Дягилев организовал балетную труппу "Русский балет С. П. Дягилева", которая в 1913 году начала выступления (существовала до 1929 года).
Большая советская энциклопедия.



Сергей Петрович Дягилев (1872-1929) - совершенно особый русский европеец, всем европейцам европеец. Он сделал для вхождения России в Европу, в мировое культурное пространство, если не больше, то столько же, сколько Петр Великий. С той, конечно, понятной разницей, что преобразователь поставил Россию в ряд европейских первостепенных держав как политическую силу, а Дягилев сделал мировым достоянием отечественную культурную мощь.

Недавно, в 2005 году, в России издали, наконец, полный текст книги о Дягилеве Сергея Лифаря — последнего премьера и балетмейстера («хореавтора», как он говорит) дягилевского балета, питомца и культурного наследника великого мастера культуры. Сергей («Серж») Лифарь — в течение тридцати лет главный балетмейстер парижской Гранд Опера и до Нуреева самая главная фигура балета на Западе. Его книга — первое, что нужно читать о Дягилеве. Кто такой Дягилев, знают все и давно, даже и в Советском Союзе не пытались дезавуировать этого эмигранта поневоле, — но то было знание, в общем, сухо-информативное; со страниц книги Лифаря встает живой Дягилев. При этом автор, Сергей Михайлович Лифарь, — человек высококультурный и знающий то, о чем пишет, из первых рук.

Вот главный тезис, главная правда о Дягилеве:

Сергей Петрович любил говорить, что в его жилах течет «петровская» кровь, любил все делать «по-петровски» и любил, когда говорили, что он похож на Петра Великого. В них и было общее — и в размахе, и в горячей любви к России. Но Петр Великий производил свои государственные реформы в России, пересаживая западноевропейскую культуру на русскую почву, — Дягилев хотел произвести реформы в мировом искусстве, перевезя русское искусство в Западную Европу.

Дягилев начинал как пропагандист нового искусства — искусства модернизма, он ввел модернизм в Россию как новое слово мировой художественной практики. Этому делу был посвящен организованный им журнал «Мир Искусства», выходивший в 1898—1904 годах. Конечно, он был не первый: существовал журнал «Северный Вестник», в котором схожую художественную пропаганду вел Аким Волынский и в котором начинал печатать свои, уже зрелые, вещи Чехов, существовал московский символизм во главе с Валерием Брюсовым и созданным им журналом «Весы». Но Дягилев, начиная делать что-то, делал это эпически-масштабно — и доводил до конца. Он был по природе организатор, причем блестящий организатор; то, что сейчас, из практики кино, получило название продюсер. Дягилев — продюсер мирового масштаба и невиданного ранее, а то и после размаха и охвата культурных тем. Если не в литературе, то в живописи и в музыке Дягилев — организатор и вождь русского художественного модернизма. Он создал эпоху.

И отвечая тем, кто утверждал, что Дягилев с прочими «мирискусниками» искореняет классическую традицию в угоду преходящей моде, Дягилев писал:

Кто упрекает нас в слепом увлечении новизной и непризнании истории, тот не имеет о нас ни малейшего понятия. Я говорю и повторяю, что мы воспитались на Джотто, на Шекспире и на Бахе, что это самые первые и самые великие боги нашей мифологии.

Задача жизни Дягилева была — ввести в мировой классический пантеон Россию, русское национальное искусство:

Единственный возможный национализм — это бессознательный национализм крови. И это сокровище редкое и ценнейшее. Сама натура должна быть народной, должна невольно, может быть, против воли вечно рефлектировать блеском коренной национальности. Надо вы́носить в себе народность, быть, так сказать, ее родовым потомком, с древней, чистой кровью нации. Тогда это имеет цену, и цену неизмеримую.

Словосочетание «русский национализм», да еще рядом с «кровью», настолько сегодня дискредитировано, что не мешает дать этим словам Дягилева дальнейшую экспликацию — из того же текста. Он пишет о Левитане, который «успел научить нас тому, что мы не умели ценить и не видели русской природы русскими глазами…Стоит нам на минуту выбраться из удушливого чада пыльных городов и хоть немного ближе подойти к природе, чтобы вспомнить с благодарностью великие уроки художника русской земли».

Второе в хронологическом ряду грандиозное деяние Дягилева — собрание им сокровищ русской исторической живописи, особенно XVIII века. Он вообще, можно сказать, открыл этот период в русской живописи, сам написал книгу о Левицком. И это задача была уже не узко-художественная, а широко культурно-историческая: собрать образы России, как они зафиксированы в произведениях живописи — и не только русской. Это было что-то равное труду Карамзина с его Историей Государства Российского, о которой Пушкин сказал: Карамзин — Колумб, открывший Россию. Так Дягилев восстановил и собрал ее живой пластический образ в самый славный период ее существования — с восемнадцатого века и далее. Эти бесценные сокровища покрывались пылью и пропадали в бесчисленных, пришедших в упадок дворянских имениях. Он сумел убедить владельцев уступить эти сокровища государству, нации — чтобы хотя бы сохранить их в начавшееся бурное время аграрных волнений 1905 года. И это ему удалось — в феврале 1906 года открылась эта грандиозная выставка, на которой было представлено 6000 картин в громадных залах Таврического — потемкинского — Дворца. Можно сказать, что это был последний парад великой России перед ее исчезновением в бурях новой эпохи. Судьба распорядилась иронически: именно в Таврическом Дворце разместилась Первая Государственная Дума — тогдашнее детище революционных дней. Дягилевские картины вернулись на прежние места — и, в основном, погибли: как в продолжающихся крестьянских бунтах первой революции, так и окончательно — во второй революции. То, что сейчас есть в музеях, — это малая часть по сравнению с тем, что собрал тогда Дягилев.

Трудно было не только собирать, но и сохранять русскую культуру в самой России. И Дягилев выезжает в Европу — сначала опять-таки с художественными выставками, а затем и с организацией ставших легендарными Русских Сезонов в Париже. Тут его — да что его — Россию! — ждали наибольшие триумфы. Дягилев открыл Европе русскую музыку: Римский-Корсаков, Бородин и, особенно, Мусоргский стали порождающим семенем новой европейской музыки. Дягилев показал Европе Шаляпина в «Борисе Годунове» — и, наконец, он показал ей Русский Балет с новооткрытыми — им же — гениями: Нижинским и композитором Стравинским; Анна Павлова взлетела к мировой славе тоже после этих выступлений у Дягилева.

Остальное — история. Балетная труппа Дягилева оказалась отрезанной от России с началом Первой мировой войны. Последующие русские события отнюдь не благоприятствовали возвращению. Но Дягилев с большим интересом следил за первыми шагами нового искусства уже в советской России, когда художественная свобода еще не была подавлена идеологической догмой режима. Памятник этих настроений — балет «Стальной Скок» на музыку Прокофьева и сюжет лесковской «Блохи». В этой постановке принимали участие московский художник Якулов и Илья Эренбург, работавший вместе с другими над либретто. Этот проект особенного успеха не имел, но Дягилев, в более широком развороте, все же наметил новые пути балета — в сторону его приближения к конструктивному стилю эпохи. Как пишет Лифарь, пластика стала преобладать над плясом.
Что говорить, Дягилев действительно вернул балет Западу, почти уже там исчезнувший. Но России он оставил еще больше — память о себе как человеке, способном не только учиться у Европы, но и учить ее. В этом смысле Дягилев такой же русский уникум, как Лев Толстой и Достоевский.
Борис Парамонов
10.01.08

Дягилев и музыка “Русских сезонов”
http://ricolor.org/history/cu/his_cult/dyagilev/2/

 Отправлено: 02.04.09 20:04. Заголовок: Танцующие фигурки из собрания Элэйна Бернарда и Владимира Малахова

В Берлине проходит выставка, посвященная изображению танца в скульптуре эпохи ар-деко.
Выставка «Танцующие фигуры» из коллекции Алена Бернара и Владимира Малахова.
Часть представленных фарфоровых статуэток на тему балета принадлежат известному танцору, директору Берлинского государственного балета Владимиру Малахову. Фигуры созданы на известнейших европейских мануфактурах в первой половине — середине ХХ века, а моделями для них послужили Анна Павлова, Тамара Карсавина и Вацлав Нижинский.



Владимир Малахов начал собирать коллекцию совсем недавно, около года назад, но скульптура балетной тематики интересовала его всегда. Отправной точкой стала выставка в австрийском городе Сент-Полтен, организованная другом танцовщика, польским скульптором Яном Станиславом Виткевичем.



Танцовщик с саблей. Завод Розенталя. 1919. По эскизу К. Хольцера-Дефанти

Эта выставка вдохновила Малахова на создание собственной коллекции.
Наиболее ценными предметами в собрании сам коллекционер считает фигуры, изображающие Айседору Дункан («Танцовщица») и Тамару Карсавину в балете «Жар-птица». Обе работы демонстрируются сейчас на берлинской выставке. Впрочем, в коллекции нет случайных вещей. Для Малахова важно, как передано движение, насколько удачно скульптору удалось поймать «момент» и запечатлеть сложнейшие позы классического балета.



Выбирая предметы для своего собрания, коллекционер обращает внимание лишь на те статуэтки, которые вдохновляют его как танцора, поэтому он приобретает не только дорогие работы известных скульпторов, но и фигурки, выпускавшиеся на небольших европейских
мануфактурах. Главная сложность — найти работы этой тематики и хорошей сохранности. Иногда друзья, зная о собрании Малахова, дарят ему статуэтки.

Мода на изображение танцовщиков в скульптуре эпохи ар-деко возникла под влиянием балетных «Русских сезонов» в Европе, организованных в начале ХХ века Сергеем Дягилевым. Персонажи знаменитых постановок «Жар-птица», «Клеопатра» и «Павильон Армиды», а также образы русских танцовщиков — наиболее распространенная тема декоративной скульптуры 1920—1930-х годов. Со временем крупнейшие мануфактуры стали выпускать целые тиражи подобных статуэток.



Музей Брёана (Bröhan-Museum), Берлин (Schlosstrasse 1a)
сайт http://www.liveinternet.ru/showjournal.php?journalid=2204055&keywordid=1073132

 Отправлено: 22.04.09 13:21. Заголовок: Иветт Шовире

ШОВИРЕ, ИВЕТТ (Chauvire, Yvette) (р. 1917), французская артистка балета, педагог. Родилась в Париже 22 апреля 1917. Обучалась танцу в школе при Парижской опере, а также у Б.Князева и В.Гзовского. Ведущая артистка труппы в 1935–1972 (с перерывами в 1946, когда она ушла в труппу «Новый Балет Монте-Карло», и в 1949–1952), с 1941 на положении «этуали» («звезды»). Начиная с 1963 выступала со многими другими коллективами.

Элегантность, утонченность, чувство стиля, благородство танцевальной манеры – все эти качества позволяют говорить о Шовире как о представительнице французской классической школы. Почти вся ее балетная карьера была связана с С.М.Лифарем, который возглавлял труппу на протяжении 1930–1950-х годов и в чьих спектаклях она создала многочисленные сценические образы. Это балеты Александр Великий (музыка Ф.Гобера, 1937), Торжествующий Давид (музыка В.Риети. 1937), Рыцарь и Девушка (музыка Гобер, 1941), Жоан из Цариссы (музыка В.Эгка, 1942), Сюита в белом (музыка Э.Лало, 1943) и др. Артистка проявила редкий драматизм и экспрессию в балете Истар (музыка В. д"Энди, 1941), исполняя заглавную роль вавилонской богини, а также в балете Миражи (музыка А.Соге, 1947), танцуя партию Тени, олицетворяющей идею трагедийного долга.

В числе лучших классических ролей Шовире – Жизель (балетмейстеры Ж.Коралли и Ж.Перро, музыка А.Адана), Шовире прославилась также своей интерпретацией миниатюры М.М.Фокина Умирающий лебедь (на музыку К.Сен-Санса).

По окончании артистической карьеры занималась преподаванием в Парижской опере в классе ведущих балерин.

 Отправлено: 22.04.09 13:33. Заголовок: Мария Тальони

Мария Тальони




Мария Тальони (итал. Maria Taglioni; 23 апреля 1804, Стокгольм — 22 апреля 1884, Марсель) — знаменитая итальянская балерина, центральная фигура в балете эпохи романтизма.


Существует легенда: когда Мария Тальони пересекала границу России, на таможне ее спросили: "Мадам, а где же ваши драгоценности?" Тальони приподняла юбки и, показав на ноги, ответила: "Вот они". Да, ее ноги и впрямь были бриллиантовыми, а ее танец в буквальном смысле слова заставлял зрителей плакать от счастья. А еще - она была первой балериной, вставшей на пуанты.

Туфельки под соусом. Это случилось в 1832 году на премьере балета "Сильфида", поставленного для дочери ее отцом, балетмейстером Филиппо Тальони. Встав на пальцы, Тальони добилась впечатления нереальности, отрешенности, иллюзии парения над землей. Конечно, те давние балетные пуанты (от французского "pointe" - острие, кончик) отличались от современных, более жестких в носке, разнообразных по цвету и фактуре, но эффект они произвели грандиозный.

В Петербурге, где к Тальони относились с особенным восторгом, после ее отъезда пара ее балетных туфель была куплена за 200 рублей, разыграна в лотерею и съедена под соусом поклонниками.



А вообще Тальони впервые предстала перед петербургскими зрителями в 1837 году. Это был не успех, а триумф. Имя ее приобрело такую популярность, что появилась карамель "Тальони", вальс "Возврат Марии Тальони" и даже шляпы "Тальони". Каратыгин написал водевиль "Ложа 1-го яруса на последний дебют Тальони", в которой пользовался популярностью следующий куплет:

"Тальони прелесть, удивленье,
Так неподдельно хороша,
Что у нее в простом движенье
Заметна дивная душа...
Об ней не рассказать словами,
Не обсудить ее умом;
Что говорит она ногами,
Того не скажешь языком".



Облако из газа. Но кроме балетных пуантов Мария Тальони преподнесла искусству и зрителям еще одну новинку, также впервые представшую в балете "Сильфида", - белоснежную пачку, ставшую вскоре символом романтического балета. Это "облако из газа" придумал художник и модельер Эжен Лами. Легкая невесомая туника, формой напоминающая полураспустившийся цветок, не только помогала танцовщице выполнять невесомые, но технически сложные прыжки, но, казалось, излучала особый, неземной свет, столь необходимый для романтического балета. Правда, тот образ, который воплощала Тальони на сцене, задолго до премьеры предлагали парижанкам все модные журналы. Открытые плечи, струящиеся потоки легкой ткани, некоторая отрешенность.

Зато парижские модницы в свою очередь позаимствовали у балетной героини ее воздушную шаль: наброшенная на плечи и спадающая на руки, она придавала дамскому силуэту меланхолический облик, словно остановленной в полете сильфиды.

Контракт на серебряном подносе. Но, конечно, главным в искусстве Тальони, родившейся 23 апреля 1804 года в Стокгольме, был ее танец. Основы танца она начала осваивать в восемь лет, а ее дебют состоялся 1 июня 1822 года в Венском театре в партии Нифмы, в балете "Прием юной нимфы при дворе Терпсихоры", поставленном ее отцом. Современники Тальони рассказывают, что она после ежедневного урока, который давал ей отец, часто без чувств падала на пол. Таким кровавым трудом доставалось ей получасовое вечернее торжество.

Во время дебюта в "Нимфе" юная артистка была так взволнована, что забыла первое па, но не растерялась и начала импровизировать. Артисты были поражены, а публика так очарована танцем Тальони, что вызывала ее на поклоны восемь раз.

Сценические успехи Тальони с каждым новым ее появлением на сцене становились все более впечатляющими. Куда бы она ни приезжала, ей устраивали восторженный прием. Наконец, в 1828 году Мария впервые станцевала в Парижской опере и буквально захватила в плен парижан. После ее дебюта директор Парижской оперы поднес балерине контракт на серебряном подносе. А когда она выступила в Париже в "Сильфиде", один из поклонников был до такой степени восхищен ее игрой, что сорвал со шляпки сидевшей рядом с ним дамы букетик цветов, бросил его к ногам артистки и от восторга заплакал.



Единственная. Восторженным отзывам критиков и поклонников балета о танце Тальони нет числа. Фаддей Булгарин, говоря о Тальони, называет ее "единственной танцовщицей в мире, которая осуществила своими танцами все, что до сих пор нам казалось несбыточным вымыслом поэтов, полувоздушная, грациозная женская фигура на древних вазах и медалях. Ни до нее, ни после нее не будет равной ей, - с уверенностью провидца утверждает Булгарин. И добавляет: - Люди, не любящие вообще балета, прикованы к нему танцами и игрою Тальони. Это - гений танцев... выше, нежели был гений Байрона в своем роде". А другие, не менее восторженные почитатели артистки уверяли, что Тальони, подобно чудной, магической скрипке Паганини, никогда не имела соперниц.

Хотя в реальной жизни артистка не производила особенного впечатления. Так, одна из современниц вспоминает, что, увидев ее днем, без грима, поразилась, какая она некрасивая, худенькая-прехуденькая, с маленьким желтым лицом в мелких морщинах. Но что такое реальность по сравнению со сценическим обаянием и танцевальной гениальностью Тальони! Да еще глаза, ее глаза - чудные, бархатные, таинственные. Она и впрямь была не танцовщицей из крови и плоти, а неземным, невесомым созданием, таинственной тенью, которую и станцевала с ошеломляющим успехом в балете "Тень", сочиненном Филиппо Тальони для своей дочери.

Мне кажется, она мой друг. В наши дни некоторые из балетов Филиппо Тальони, в которых танцевала Мария, восстановил выдающийся французский хореограф Пьер Лакотт. В беседе с обозревателем "МК" Лакотт, у которого, по его словам, дома маленький балетный музей, сообщил, что у него есть и уникальные экспонаты, связанные с Марией Тальони.

- У меня хранятся брачное свидетельство Тальони и ее первый контракт, заключенный с конторой императорских театров в Санкт-Петербурге. Вообще, в мыслях я постоянно обращаюсь к прошлому. Мне кажется, я даже живу там. Я так много и тщательно изучал творчество Марии Тальони, что сейчас мне кажется, что она мой близкий друг. Это была необыкновенная, удивительная женщина. Меня поражают ее доброта и доброжелательность. У Тальони, после того как она покинула сцену, была ученица Эмма Ливри. Когда Ливри в первый раз танцевала в балете "Сильфида", где блистала сама Тальони, Эмме за кулисы принесли от Тальони цветы, в которые была вложена записка. А в записке потрясающие слова: "Танцуйте так же прекрасно и дальше, позвольте всем забыть меня, но только вы меня не забывайте!"

Марию Тальони не забыли. Она и сегодня один из самых чарующих и притягательных мифов балетного театра.
Владимир Котыхов
Московский Комсомолец от 07.05.2004

 Отправлено: 26.04.09 12:23. Заголовок: Мария Тальони

Мария Тальони

 Отправлено: 26.04.09 12:29. Заголовок: Лебедь

У. Лопаткина
Лебедь

"Сегодняшние исполнительницы не отличаются особой активностью, хотя и ныне эта композиция — непременная часть сборных концертов самого высокого ранга. Когда нет возможности исполнить "Лебединое озеро", дается "Лебедь" с Ульяной Лопаткиной — гордой и самодостаточной птицей. Есть у нас сейчас лебедь гламурный — сияющая стразами Анастасия Волочкова, лебедь спортивный — бойко перебирающая пуантами Илзе Лиепа, лебедь мелодраматический — обученная Изабель Фокиной Юлия Махалина. Нет только лебедя павловского."

http://www.liveinternet.ru/users/leonsija/post101181352/

 Отправлено: 23.01.10 17:43. Заголовок: Игорь Стравинский

И. Стравинский - русский композитор и дирижер.

И.Ф. Стравинский родился 5 июня 1882 г. по старому стилю в Ораниенбауме, в семье великого русского певца Фёдора Игнатьевича Стравинского (1843—1902), солиста Мариинского театра (Фёдор Игнатьевич был первым исполнителем партий в целом ряде русских опер, в том числе П.И. Чайковского, Н.А. Римского-Корсакова). С детских лет Игорь Стравинский с увлечением занимался, как музыкой, так и живописью. Мать Анна Кирилловна пела и играла на рояле, была постоянным аккомпаниатором мужа. В доме Стравинских в Петербурге (Крюков канал, д. 6–8) собирались виднейшие деятели русской культуры - дирижер Э. Направник, балетмейстер М. Петипа, Ф. Достоевский, Н. Римский-Корсаков, артисты Мариинского театра.
Окончив в 1900 г. петербургскую гимназию Я.Г. Гуревича, по настоянию отца Стравинский поступил на юридический факультет Петербургского университета. Любопытно, что в разные годы юридический факультет окончили: писатели Л.Н. Андреев, Г.А. Данилевский, П.П. Ершов, М.Н. Зощенко, Д.Н. Мамин-Сибиряк, Н.Г. Михайловский, Г.И. Успенский; художники А.Н. Бенуа, И.Я. Билибин, М.В. Врубель, И.Э. Грабарь, М.В. Добужинский, В.Д. Поленов, Н.К. Рерих; артисты В.М. Качалов, А.И. Сумбатов-Южин; русский антрепренёр С.П. Дягилев; вольнослушателем юридического факультета был и А.А. Глазунов. Обучение в Университете было завершено в апреле 1906 г. Диплома об окончании Университета Стравинский не получил, поскольку отказался от написания и защиты дипломной работы. Композитор вспоминал: «у меня столько времени уходило на занятия у Римского-Корсакова, что я едва ли мог отдавать должное другим занятиям». В семье русского композитора Н.А.Римского-Корсакова он проводил много времени, был особенно дружен с его сыновьями Андреем и Владимиром.

Дебютировал Стравинский как композитор в Петербурге 27 декабря 1907 г. по старому стилю – были исполнены вокальные сочинения Стравинского «Пастораль» и «Весна монастырская» (солистка – Е.Ф. Петренко). Первые сочинения Стравинского (вокальная сюита «Фавн и пастушка» на слова А.С. Пушкина (1907), Симфония Ми-бемоль мажор (1907), Фантастическое скерцо (1908) и другие) были близки традициям «Могучей кучки», и в первую очередь – Римскому-Корсакову. 24 января 1909 г премьерное исполнение сочинения «Фантастическое скерцо» посетил С. Дягилев вместе с балетмейстером М. Фокиным. Он фактически открывает миру Стравинского.

К очередному Русскому сезону Дягилев заказал А. Лядову музыку к балету «Жар-птица», но работа не была выполнена из-за плохого самочувствия композитора. Представление оказалось под угрозой срыва. Тогда Дягилев, слышавший произведения Стравинского поверил в молодого и энергичного музыканта и предложил ему взяться за эту работу. 25 июня 1910 г. состоялась премьера «Жар-птицы» на сцене парижской «Гранд-опера». Либретто было составлено А. Ремизовым, А. Головиным, Л. Бакстом. Начиная с "Петрушки" Михаила Фокина, балета, увидевшего свет в парижском театре Шатле в 1911 году, к партитуре Стравинского в двадцатом веке обращались многие выдающиеся хореографы, такие, как Курт Йосс (1930), Морис Бежар (1977), Джон Ноймайер (1982). Далее http://rusmilestones.ru/theme/show/?id=26871

 Отправлено: 23.01.10 17:56. Заголовок: «Коко́ ШанеL..

«Коко́ Шане́ль и И́горь Страви́нский» (фр. Coco Chanel & Igor Stravinsky) — художественный фильм Яна Кунена, выбранный как фильм, закрывавший Каннский кинофестиваль 2009 года, и показанный 24 мая 2009 года.[1][2]

В фильме рассказывается об отношениях между Коко Шанель и Игорем Стравинским, которые возникли у них в Париже в 1920 году, том самом году, когда были созданы знаменитые духи Chanel No. 5.

Фильм снят по роману Криса Гринхала «Коко и Игорь» (2002). Гринхал также написал сценарий фильма. Карл Лагерфельд, нынешний ведущий дизайнер дома «Шанель», оказывал посильную помощь в создании фильма.[3]

Ян Кунен снял и французскую, и английскую версии фильма.
1913 год, Париж. Коко Шанель присутствует на первом, скандальном представлении Игоря Стравинского «Весна священная». Ритмичный диссонанс в музыке и местами шокирующая хореография вызывают бурю негодования. Но Коко увлекает то, как Игорь взбудоражил зал.

Семь лет спустя Коко и Игорь встречаются снова. И хотя дела Коко идут превосходно, она грустит по своему возлюбленному, Артуру Кепелу. А Игорь был вынужден бежать во Францию, спасаясь от Революции 1917 года. Между кутюрье и композитором быстро возникают взаимные симпатия и влечение.

Коко приглашает Игоря вместе с его женой и детьми пожить на её вилле под Парижем. В наступившее лето между Коко и Игорем завязываются тайные отношения. Их растущая близость приносит пользу и их работе: Игорь начинает сочинять произведения в новом, более вольном стиле; а Коко вместе со своим парфюмером Эрнестом Бо создаёт Chanel No. 5.

Однако, почти невыносимая напряжённость, царящая на вилле, не может сдерживаться вечно.
(Вики.)

http://wday.ru/afisha/kino/_article/film-koko-shanel-iigor-stravinskii/

 Отправлено: 23.01.10 18:02. Заголовок: Игорь Стравинский - ..

Игорь Стравинский - личность поистине уникальная в музыкальном пространстве XX века, его творчество вобрало в себя практически все ведущие направления и стили своей эпохи. По силе воздействия, масштабу и значению для современников и потомков его творчество сравнивают с творчеством Пикассо в живописи. Яркое своеобразное преломление русского фольклора в ранних сочинениях, "архитектурно-музыкальные" конструкции неоклассического периода, мистическая атональность и додекафония позднего творчества - всё это метко охарактеризовал сам Стравинский: "Я вобрал в себя всю историю музыки". Но в то же время его индивидуальный почерк, средства выразительности всегда оставались характерными только для него, составили неповторимый музыкальный язык и метод мышления, который можно определить как "антитеза романтической экспрессии".

Игорь Фёдорович Стравинский родился 17 июня 1882 года в Ораниембауме, под Санкт-Петербургом. Род Стравинских происходит от польских землевладельцев (первоначально фамилия звучала Сулима-Стравинские, по названию двух притоков Вислы - Стравы и Сулимы). Отец Стравинского был известным в Петербурге оперным певцом, мать - пианисткой. Родители дали мальчику музыкальное образование, однако талант был замечен только в студенческие годы, когда Стравинский изучал юриспруденцию в Петербургском университете. С 1903 года на протяжении пяти лет Стравинский берёт уроки композиции у Николая Римского-Корсакова, стихийно пополняя собственные знания в других областях музыкального искусства. Огромное значение для формирования композитора имела духовная атмосфера дореволюционного Петербурга. "Я часто думаю, что факт моего рождения и воспитания в городе скорее неоитальянском, чем чисто славянском или восточном, должен был частично обусловить собой направление культуры моей позднейшей жизни", - писал Стравинский в "Диалогах".

Первые "пробы пера" Стравинского относятся к 1902 году, а Симфония ми-бемоль мажор и сюита для голоса с оркестром "Фавн и пастушка" стали первыми публично исполненными произведениями (1908). Благодаря оркестровой фантазии "Фейерверк", получившей признание у публики, произошло знакомство Стравинского с балетным импресарио и постановщиком Сергеем Дягилевым, основателем знаменитого "Русского балета". Их плодотворное сотрудничество продолжалось вплоть до конца 1920-х годов, а результатом стало появление нескольких ярких балетных произведений и их постановка на различных сценах. "Жар-птица" в 1910 году принесла первый громкий успех, далее появляются "Петрушка" (1911) и "Весна священная", премьера которой 29 мая 1913 года в Париже (балетмейстер Вацлав Нижинский, декорации Николая Рериха, дирижёр Пьер Монтё) вызвала резкое неприятие и громкий скандал.

цитата:

Слабые протесты по адресу музыки можно было уловить с самого начала спектакля. Затем, когда поднялся занавес и на сцене оказалась группа прыгающих Лолит с вывернутыми внутрь коленями и длинными косами ("Пляска щеголих"), разразилась буря. Позади меня раздавались крики: "Ta gueule" ("заткни глотку"). Я услыхал голос Флорана Шмитта (французский композитор и музыкальный критик - С.Г.), кричавшего: "Taisez-vous races du seizieme" ("молчите вы, девки шестнадцатого"); "девками из шестнадцатого" были, однако, самые элегантные дамы Парижа. Суматоха продолжалась, и спустя несколько минут я в ярости покинул зал; я сидел справа от оркестра, и помню, как хлопнул дверью. Никогда более я не был так обозлён. Музыка казалась мне такой привычной и близкой, я любил её и не мог понять, почему люди, ещё не слышавшие её, наперёд протестуют. Разъярённый, я появился за кулисами, где увидел Дягилева, то тушившего, то зажигавшего свет в зале - последнее средство утихомирить публику. До самого конца спектакля я стоял в кулисе позади Нижинского, держа его за фалды фрака; он стоял на стуле и, подобно рулевому, выкрикивал танцовщикам цифры. ("Диалоги")

А вот заметки Жана Кокто о представлении "Весны":

цитата:

Публика, как и следовало ожидать, немедленно встала на дыбы. В зале смеялись, улюлюкали, свистели, выли, кудахтали, лаяли, и, в конце концов, возможно, утомившись, все бы угомонились, если бы не толпа эстетов и кучка музыкантов, которые в пылу неумеренного восторга принялись оскорблять и задирать публику, сидевшую в ложах.. И тогда гвалт перерос в форменное сражение. Стоя в своей ложе, со съехавшей набок диадемой, престарелая графиня де Пурталес, вся красная, кричала, потрясая веером: "В первый раз за шестьдесят лет надо мной посмели издеваться". Бравая дама была совершенно искренна. Она решила, что её мистифицируют. ... Это совершенно в духе публики: ковылять от шедевра к шедевру, всегда отставая на один; признавая вчерашний день, хулить сегодняшний и, как говорится, всегда идти не в ногу со временем.

Насыщенные диссонансами гармонии, умопомрачительно сложные "варварские" ритмы, экспрессивная история столкновения человеческого социума с отдельной личностью и жестокого её уничтожения - таков облик произведения, ставшего эпохальным и во многом определившего принципиальные пути развития музыки (даже в исполнительском искусстве - до сих пор "Весна священная" считается вершиной дирижёрского мастерства). Прямое влияние "Весны" можно проследить в таких шедеврах, как "Парад" Эрика Сати (1917), "Чудесный мандарин" Белы Бартока (1919), "Америки" (1921) и "Аркана" (1927) Эдгара Вареза, Kammermusik № 1 (1921) и сюита "1922" Пауля Хиндемита, "Жанна д'Арк на костре" Артюра Онеггера (1935).

Насыщенные диссонансами гармонии, умопомрачительно сложные "варварские" ритмы, экспрессивная история столкновения человеческого социума с отдельной личностью и жестокого её уничтожения - таков облик произведения, ставшего эпохальным и во многом определившего принципиальные пути развития музыки (даже в исполнительском искусстве - до сих пор "Весна священная" считается вершиной дирижёрского мастерства). Прямое влияние "Весны" можно проследить в таких шедеврах, как "Парад" Эрика Сати (1917), "Чудесный мандарин" Белы Бартока (1919), "Америки" (1921) и "Аркана" (1927) Эдгара Вареза, Kammermusik № 1 (1921) и сюита "1922" Пауля Хиндемита, "Жанна д'Арк на костре" Артюра Онеггера (1935).
Далее http://www.cdguide.nm.ru/composers/stravin.html

 Отправлено: 02.02.10 17:23. Заголовок: Анна Павлова