Сообщение N: 585
Зарегистрирован: 26.04.07
Откуда: Германия
Рейтинг:
4
Отправлено: 14.03.09 17:32. Заголовок: Музей
Музей Жакмар-Андре (фр. Musée Jacquemart-André) — французский художественный музей. Расположен в 8-м округе Парижа, на правом берегу Сены, рядом с Елисейскими полями.
"Резиденция построена во времена Второй империи архитектором Анри Параном (Henri Parent) по заказу супругов Нели́ (Корнелии) и Эдуара Жакмар-Андре (фр. Nélie et Édouard Jacquemart-André). В этом доме хранится редкая коллекция живописи — шедевры итальянского Ренессанса, французской школы изобразительного искусства XVIII века и фламандских мастеров. Всё перечисленное ставит коллекцию по значимости сразу после Лувра." Википедия
Сообщение N: 588
Зарегистрирован: 26.04.07
Откуда: Германия
Рейтинг:
4
Отправлено: 16.03.09 13:58. Заголовок: В этом музее сейчас ..
В этом музее сейчас проходит выставка работ итальянских художников XIII, XIV и XV веков. "Музей Жакмар-Андре Ранние итальянцы, с 11 марта по 21 июня. В музее представлена коллекция музея Альтенбург в Германии, которая объединяет шедевры от ранних итальянцев. Эти художники школы Сиены и Флоренции,были очень влиятельными с 13 по 15 век, опередив Возраждение. Эту коллекцию собрал в девятнадцатом веке немецкий барон Бернард фон Линдено, политик и большой любитель искусства."
Сообщение N: 598
Зарегистрирован: 26.04.07
Откуда: Германия
Рейтинг:
4
Отправлено: 18.03.09 23:45. Заголовок: Популярная в последн..
Популярная в последние недели в англоязычном интернете картина "Обсуждение "Божественной комедии с Данте" , на которой уместились 103 знаменитости, включая Платона, овечку Долли и Владимира Путина , написана тремя китайскими художниками - Дуду (Dudu), Ли Тецзы (Li Tiezi), Чжана Аня (Zhang An). Газета The Daily Telegraph утверждает, что довольно долго авторство этой работы оставалось неизвестным.
Обозреватель The Daily Telegraph приводит доводы наблюдательных исследователей, которые могут указывать на китайское происхождение картины: например обилие не слишком известных на Западе восточных политиков и поэтов и присутствие среди персонажей Хуана Антонио Самаранча, который отдал Пекину право на проведение Олимпийских игр в 2008 году. Кроме того, в правом верхнем углу вокруг Данте расположились три молодых азиата: по мнению "интернет-детективов", это и есть создатели картины, написавшие ее в 2006 году.
Знатоки картины уже составили ее карту : если навести курсор на лицо какого-нибудь персонажа, то появится его имя и ссылка на Википедию.
Парижская экспозиция Энди Уорхола под названием "Warhol's Wide World" ("Мир Энди Уорхола", которая открывается 18 марта 2009 года в выставочном комплексе Гран-Пале, поможет музейному ренессансу во Франции, пишет лондонская газета The Guardian. По мнению обозревателя The Guardian, беспрецедентно широкая экспозиция, посвященная портрету в искусстве классика поп-арта, привлечет большое число туристов из Великобритании и США, что дополнительно увеличит и так высокую посещаемость французских музеев. В экспозицию парижской выставки включены портреты, выполненные в технике шелкографии, полароидные снимки, кинофильмы. Куратор проекта, французский историк искусства Ален Кефф (Alain Cueff) утверждает, что получившаяся выставка - первое новое прочтение Уорхола. Художник утверждал, что все, что ему доводилось писать, включая банки супа Campbell's и бутылки Coca-Cola, должно быть отнесено к портретам. По мнению Кеффа, это жанр играл ключевую роль в творчестве художника. На одном этапе Уорхол зарабатывал только портретами, которых написал примерно тысячу, около миллиона долларов в год. Ему позировали Мерилин Монро и Бриджит Бардо, принцессы Каролина и Диана, Мик Джаггер и Нельсон Рокфеллер. Также он написал циклы портретов Мао Цзедуна и Альберта Эйнштейна. Агентство Reuters отмечает, что на выставке будет показан портрет Ива Сен-Лорана и что Пьер Берже, партнер покойного кутюрье, протестует против этого. "Поместить Сен-Лорана в раздел 'гламур' значит выказать неуважение к его работе и смешать его с 'красивыми людьми'", - написал Берже в письме в газету Le Monde. Его цитирует Reuters. http://lenta.ru/news/2009/03/18/warhol/
Сообщение N: 602
Зарегистрирован: 26.04.07
Откуда: Германия
Рейтинг:
4
Отправлено: 20.03.09 13:13. Заголовок: Русский музей празд..
Русский музей празднует день рождения
19 марта 1898 года впервые для посетителей открылся Музей Императора Александра III — Русский музей.
Сегодня это уникальный музейный комплекс, не имеющий аналогов в мире. Комплекс, в котором соединились воедино архитектурные шедевры, образцы садово-паркового искусства и огромнейшая коллекция произведений русского искусства от средних веков до наших дней. Скрытый текст
В историческом центре Санкт-Петербурга Русский музей занимает тринадцать зданий. Из них пять дворцов, построенных выдающимися европейскими зодчими: Михайловский, Мраморный, Строгановский, Михайловский (Инженерный) замок, Летний дворец Петра I. К ним прилегают два сада — Летний и Михайловский. Общая площадь, занимаемая Русским музеем, составляет 30 га.
Коллекция Русского музея насчитывает около 400 тысяч экспонатов и охватывает все исторические периоды и тенденции развития русского искусства, все его основные виды и жанры, направления и школы с Х по ХХI век.
Германия и США, Франция и Италия, Бельгия и Испания, Китай и Япония — почти по всему земному шару Русский музей демонстрирует шедевры национального искусства. Ежегодно он проводит около 70 выставок в России и за рубежом. Две трети — в самом музее.
Каждый год Русским музеем выпускается 30–40 изданий. Palace Editions — это официальное издательство Государственного Русского музея, которое печатает книги, альбомы, каталоги собраний и выставок, отчеты и сборники научных трудов на русском и иностранных языках. Издания знакомят с экспозицией и уникальными собраниями музейных фондов, с научной, выставочной и просветительской деятельностью.
Ежегодно Русский музей представляет широкий спектр видеофильмов и видеопрограмм, которые дают возможность познакомиться с крупнейшей в мире коллекцией русского изобразительного искусства. Это экскурсии по музею, рассказы о фондах и реставрационных мастерских, истории жизни и творчества выдающихся русских художников.
Русский музей является уникальным хранилищем художественных ценностей, известным реставрационным центром, авторитетным научно-исследовательским институтом, одним из крупнейших центров культурно-просветительской работы, научно-методическим центром художественных музеев Российской Федерации, курирующим работу 260 художественных музеев России.
С 2003 года Русский музей работает над созданием сети информационно-образовательных центров «Русский музей: виртуальный филиал». Эта программа дает возможность совершить виртуальные туры по четырем дворцам, входящим в комплекс Русского музея, увидеть их уникальные интерьеры, познакомиться с экспозицией музея, предоставляет возможности создания виртуальной экспозиции — не существующего в реальности выставочного зала, демонстрирует зрителям исторические реконструкции утраченных музейных интерьеров, позволяет совершить путешествие в виртуальную картину — переход из одной картины в другую, включающий специально сконструированное трехмерное пространство, основанное на сюжетах обеих картин.
оздается локальная сеть Виртуальных филиалов, объединяющая участников проекта «Русский музей: виртуальный филиал» (музеи, университеты, школы). Сеть даст возможность в реальном времени увидеть события, происходящие в Русском музее.
Русский музей проводит большую работу с детьми и подростками по специальной программе «Здравствуй, музей!», которая реализуется более чем в 20 регионах страны. Интернет-проект «Международная молодежная Интернет-книга об изобразительном искусстве» объединяет молодых людей разных стран, интересующихся русским искусством.
В настоящее время музей доступен для инвалидов. В 1997 году при поддержке авторитетных деятелей науки и искусства России, США, Германии и Швеции был создан Благотворительный фонд поддержки и развития арт-терапевтических программ «В поисках гармонии». Сотрудники Русского музея осуществляют: психокоррекционную работу с детьми средствами арт-терапии в интернатах, детских домах, больницах и в пространстве музея.
С 1997 года при Русском музее существует Международное общество «Друзья Русского музея». Коллективные и персональные члены общества являются активными участниками жизни музея, оказывают помощь научным, образовательным, выставочно-экспозиционным, реставрационным программам музея.
В 2000 году был создан фонд развития Государственного Русского музея «Друзья Русского музея», а при нем Попечительский совет. Это коллегиальный орган, созданный с целью возрождения традиций меценатства, благотворительности, обеспечения участия российской общественности в развитии российской культуры, а также для повышения эффективности деятельности крупнейшего в России и в мире музея русского искусства. Задачей Совета является создание благоприятных условий для наиболее эффективного привлечения и использования средств российских и зарубежных инвесторов и реализации культурных, научных и социальных программ развития Государственного Русского музея.
Продолжая традиции отечественной культуры, Русский музей проводит музыкальные вечера и концерты, театрализованные представления во дворцах и садах, а также городские праздники, посвященные памятным датам отечественной истории. В Летнем саду каждое лето играют духовые военные оркестры, а Михайловский сад в 2008 году стал местом проведения первого Международного фестиваля ландшафтного дизайна «Императорские сады России», который отныне будет ежегодно проводиться в Дни Города. ARTinvestment.RU
Вероятнее всего, возможность авторского тиражирования работы Дэмиана Херста "Во имя любви к Богу" - платинового черпа, инкрустированного брилльянтами - до 3 экземпляров оказалась одним из факторов, осложнивших продажу произведения за $100 млн. Как известно, попытки лондонской White Cube пристроить "череп" в одни руки оказались безуспешными. В целях спасения репутации галереи и предотвращения развала рынка Херста, череп был "продан" неизвестной финансовой группе, членами которой оказался сам Херст, а также, по некоторым предположениям, его бизнес менеджер Фрэнк Данфи и дилер галереи Джей Джоплинг. Пoследний заявил, что скульптура была приобретена "с целью последующей перепордажи".
Tем не менее, шума, сопровождающего скандальную сделку, оказалось достаточно, чтобы черепа и брилльянты снова вошли в моду. Согласно Кэрол Вогель (New York Times), через две недели после "продажи" брилльянтового черепа на площади Рокфеллера перед офисом Кристис на четырех золотистых подпорках был установлен гигантских размеров голубой брилльянт - шириной более двух метров и почти 2.5 метра в высоту. Эта огромная побрякушка, созданная Джефом Кунсом в 2005-2006, сделана из отполированной раскрашенной стали. Работа "Голубой биллянт" будет выставлена на торги Кристис послевоенным и современным искусством 13 ноября с оцнекой порядка $12 млн. В частных коллекциях также находятся аналогичные розовый и зеленый брилльянты. http://artmers.com/ru/September_07_Markets.html
Сообщение N: 634
Зарегистрирован: 26.04.07
Откуда: Германия
Рейтинг:
4
Отправлено: 03.04.09 12:53. Заголовок: ОСТРОВ СОКРОВИЩ В ОК..
ОСТРОВ СОКРОВИЩ В ОКЕАНЕ ИСКУССТВ. О МУЗЕЕ «ФОНД БАРНСА"
«Посещение Фонда Барнса стóит само по себе путешествия по Америке».
Амбруаз Воллар, французский искусствовед и арт-дилер
Недалеко от Филадельфии в штате Пенсильвания (США) есть удивительный городок Мерион. Здесь находится самая богатая в мире частная коллекция живописи нового времени Музей «Фонд Барнса», одно из самых представительных в мире собраний живописи импрессионистов. Об этом свидетельствуют даже сухие цифры. Музей Фонда, например, владеет невероятным количеством полотен Ренуара, их здесь - 181(!). Поль Сезанн представлен 69 картинами, причем самыми первоклассными, а Анри Матисс – 60 шедеврами. Творчество этих художников представлено здесь настолько полно, что вряд ли такое возможно в любом другом, даже самом большом и знаменитом музее мира.
Альберто Джакометти (итал. Alberto Giacometti, 10 октября 1901, Боргоново, Стампа, Швейцария — 11 января 1966, Кур, Швейцария, похоронен в Боргоново) — швейцарский скульптор, живописец и график, сын художника, один из крупнейших мастеров XX века.
Джакометти родился 10 октября 1901 года в округе Боргоново швейцарской коммуны Стампа в семье художника Джованни Джакометти. Интерес к искусству возник у Альберто уже в раннем детстве, когда он начал заниматься лепкой и живописью. В 1919—20 гг. обучался живописи в Женеве, в Школе изящных искусств и в Школе искусств и ремёсел по классу скульптуры. В 1920 и 1921 путешествовал по Италии, где познакомился с классикой итальянского искусства и памятниками Древнего Рима. С 1922 года жил и работал в Париже, где сблизился с Андре Бретоном, Луи Арагоном, Пикассо, Миро, Максом Эрнстом, Сартром, Беккетом и др. Учился в студии Гранд Шомьер в Париже (1922—1925) у Э. А. Бурделя. Летние месяцы проводил в Швейцарии. Ранние работы Джакометти выполнены в реалистичной манере, однако в Париже он испытывает влияние кубизма («Торс», 1925; «Персонажи», 1926—1927), увлекается искусством Африки, Океании, древней Америки («Голова», 1925; «Скорчившийся человечек», 1926; «Женщина-ложка», 1926). Публиковался в журнале «Сюрреализм на службе революции». В 1927 его работы были представлены в Салоне Тюильри, первая персональная выставка состоялась в 1932. Скульптура этих лет («Женщина-ложка», 1926; «Клетка», 1930; «Женщина с перерезанным горлом», 1932; «Сюрреалистический стол», 1933) соединяет элементы кубизма с архаической пластикой Океании, сновидческой фантастикой, агрессией и эротизмом. После Второй мировой войны, годы которой Джакометти прожил в Женеве, он приходит к новой, более гуманистической манере в скульптурах, портретной живописи и графике («Идущий человек», 1947; «Портрет Аннеты», ок. 1950; «Бюст Диего», 1954). В скульптуре зрелого Джакометти занимала проблема соотношения объёмов и масс, загадка человеческой фигуры, в живописи и рисунке — проблема пространственной глубины, загадка человеческого лица.
Его называют «последним из великих модернистов» и единственным культовым скульптором ХХ столетия. Директор Фонда Бейлера Сэмюэль Келлер знает историю каждой скульптуры. Фигура бездомного пса многое может рассказать о французском периоде, когда совсем еще молодой Джакометти приехал покорять Париж. «Он тогда жил в Париже. Гуляя в одиночестве, почувствовал себя бездомной, мокрой собакой под дождем. Вполне в духе Джакометти», — замечает Келлер. В Париже Джакометти «заболел» кубизмом и сюрреализмом. Он был в эпицентре передовых идей.
Искусствоведы до сих пор не нашли точного определения для его творчества. Очевидно одно: болезненную хрупкость бытия Джакометти выразил без лишних слов и крикливых декораций.
Автор монографии о Джакометти французский поэт Жак Дюпен писал: «Его скульптуры — это рисунки, помещенные в трехмерное пространство. Им чужда и полнота объема, и гладкость поверхности. Всего массивного, весомого они избегают. Не допуская неспешного кругового обхода, они требуют чтения в лоб. Подставка или подножье фигур подчеркиваются ради одной задачи — высвободить и показать силу их выплеска, их легкость, пространственную хрупкость».
Сообщение N: 700
Зарегистрирован: 26.04.07
Откуда: Германия
Рейтинг:
4
Отправлено: 05.05.09 16:15. Заголовок: Тамара де Лемпицка
Тамара де Лемпицка
Картины Тамары де Лемпики выставлены на аукцион Известный немецкий модельер Вольфганг Йоп с 5 по 6 мая собирается выставить на торги Sotheby's в Нью-Йорке десять картин знаменитой польской художницы Тамары де Лемпики.
Известная всему миру Тамара де Лемпика (Лемпицки) была живым воплощением стиля эпохи ар-деко. Современники считали ее эталоном красоты 20-х годов прошлого века. Художественный талант, сильная воля, красота и элегантность покоряли артистическую богему, а ее чувственность и изысканные манеры вдохновляли именитых кутюрье на создание новых коллекций одежды.
Воспитанная в польской аристократической среде, после революции 1917 года Лемпика эмигрировала во Францию и сумела прославиться в Париже, представив публике свои экспрессивные работы.
Она много работала и много выставлялась. Ее персональные выставки проходили в престижнейших художественных заведениях того времени, таких как Salone des Independants и Salone d'Automne, где любили бывать Матисс и Пикассо.
На будущих торгах Sotheby's четыре полотна Тамары де Лемпики будут включены в список «Импрессионисты и современное искусство» вечерних торгов 5 мая, а шесть будут продаваться на следующий день. Все картины принадлежат к начальному периоду творчества художницы. А стоимость одной из них под названием Le Telephone II, написанной в 1930 году, составляет от $1,2 млн. http://luxgid.com/2745_kartiny-tamary-de-lempiki-vystavleny-na-aukcion/
Сообщение N: 701
Зарегистрирован: 26.04.07
Откуда: Германия
Рейтинг:
4
Отправлено: 05.05.09 16:34. Заголовок: Тамара де Лемпицка
Тамара де Лемпицка
Тамара де Лемпицка… Звучит как-то странно, неправда ли?… Русское имя, французская частица - признак дворянского происхождения, польская фамилия… Получается довольно нелепое сооружение, нечто причудливое, как жизнь той, которая обладала этим именем.
Полька по происхождению, Лемпицка большую часть жизни прожила во Франции и Соединенных Штатах, но при этом почему-то называла себя «падчерицей России». Это из стихов другого российского поляка Владислава Ходасевича, с которым она, вероятно, познакомилась во время своего пребывания в Петербурге.
Тамара родилась в Варшаве в 1898 году (по другим данным в Москве в 1896 году). Ее отец Борис Гурски был адвокатом, мать - дамой высшего света. Борис - имя совершенно не свойственное поляку... Может, он был русского происхождения? Тогда понятно, почему он назвал дочь Тамарой. Русское происхождение варшавского адвоката, однако, не подтверждает ни один источник. А вот, то, что родная сестра матери жила в России известно доподлинно.
Когда Тамаре надоело учиться, мать взяла ее с собой в Италию, и там девочка поняла, что любит искусство. Эту любовь она пронесет через всю свою жизнь. После размолвки с матерью Тамара в 1914-м уехала из Варшавы в Петербург, к богатой тетке Стефании Йенсен (фамилия датская, видимо, по мужу). И здесь открыла для себя другое пристрастие - высший свет.
В России она ведет светский образ жизни - общается с богемой, аристократами, и, между прочим, знакомится с блестящим адвокатом, красавцем и поляком к тому же - Тадеушем Лемпицким. Спустя два года они обвенчаются. Они молоды, красивы, счастливы в Северной Пальмире, но тучи над Россией уже сгущаются. Революция обрушивается на молодую семью даже не градом, а камнепадом. В декабре 1917-го чекисты арестовывают Тадеуша, ему грозит расстрел. И тогда Тамара, во имя спасения любимого человека, ценой супружеской измены со шведским консулом (возможно с датским), добывает для мужа иностранный паспорт. Они едут сначала в Копенгаген, а затем в Париж. Но семейного счастья уже не вернуть – Тадеуш превращается из блестящего баловня судьбы в вечно недовольного ворчуна. В Париже им вечно не хватает денег, и даже рождение дочери Кизетты не подвигло адвоката на поиски работы. Тогда Тамара решет взять судьбу семьи в свои руки, и зарабатывать на жизнь искусством, благо есть способности.
Она берет уроки у классиков фигуративной живописи Андре Лота и Мориса Дени. В 20-е годы погоду в искусстве делали журналы мод. Лемпицка удостоилась внимания Harper’s Bazaar и других американских изданий. Однако для славы потребовалось нечто иное: роман с Габриеле Д’Аннунцио, популярным писателем и общеевропейским ловеласом. Д’Аннунцио заказывает ей портрет. Совместная работа над ним на вилле поэта приносит неизбежные плоды (сохранились смешные мемуары домоправительницы донжуанистого итальянца, где описана циничная история этого романа). После д’аннунциевского портрета о Лемпицка начинают писать, призы следуют один за другим.
После тридцати она зарабатывает много, а похвал от профессионалов слышит все меньше и меньше. Зато двери лучших парижских домов открыты перед ней нараспашку. Она усвоила важную истину – когда пишешь портреты богатых и известных людей, частица из славы переходит и на тебя. Попытки совместить искусство с великосветской жизнью она не оставляет до конца своих дней. Но если поначалу ее воспринимали как художницу из знатного польского рода, то под конец — как баронессу, балующуюся изящным, рисующую «забавные картинки». Это произошло, впрочем, уже в Америке, куда она уехала в конце 1930-х. Новый спутник жизни, барон Рауль Куфнер, дает ей титул и богатство... Она уже не Лемпицка, а Лемпика (так она себя называет) – связи с прошлым порваны окончательно, она не полька и не русская, а полноправная гражданка блистательного мира дорогих автомобилей и нарядов от-кутюр.
Блестящая и невероятно красивая, с легко узнаваемым собственным стилем, Лемпицка мелькнула для многих мотыльком в период сумасшедшего «золотого межвременья» 20—30-х годов. Во всех ее работах, слишком стильных, — князья и маркизы... Дитя кубизма и артдеко, Лемпцика обожала объемные углы, крупные колени и выпуклые животы. Но главной проблемой (едва ли не единственной по-настоящему ее интересовавшей) оставалась она сама. Ей слишком хотелось быть любимой, и потому ее жизнь походит на типичный «женский роман». И может быть, поэтому в живописи Лемпицкой нет места страсти... Вместо нее — изящество эксгибициониста, тоскующего о чувствах, которые ему так и не удалось испытать.
Несмотря на многочисленные романы с аристократами Тамара не могла укротить свою бисексуальную природу. Она часто бывала на лесбийских вечеринках и обожествляла в своих работах образ обнаженной женщины.
Ее «Андромеда» и «Прекрасная Рафаэла» воплощают в себе несказанную эротичность: их позы, томный взгляд Андромеды и цепи на ее запястьях, прикрытые глаза Рафаэлы и яркие полные губы обеих богинь... «Прекрасная Рафаэла» была выполнена в манере флорентийских маннеристов. Обе работы считаются вершиной художественного мастерства художницы.
В 1943 году Лемпика и барон Куфнер переезжают в Нью-Йорк, где поселяются в шикарной квартире. Лемпика украсила свое гнездышко предметами антиквариата, которые барону удалось увезти из своего венгерского имения. После войны она ненадолго возвращается в Париж, чтобы вновь открыть свою студию, но вскоре возвращается в Америку, где работает над интерьерами частных квартир.
После смерти барона в 1962 году, Лемпика едет в Хьюстон, чтобы быть рядом с дочерью. В этом же году в Нью-Йорке открывается выставка ее новых работ, но критики встретили вставку холодно, что не замедлило сказаться на покупателях. Несколько поутратив былую славу, Лемпика работать. Но картины не покупаются и пополняют залежи на чердаке.
В 1966 году в Париже проходит юбилейная выставка, после чего интерес к ее творчеству вспыхивает вновь. В поисках новых впечатлений она едет в Мексику, где поселяется в Куэрнаваке, в доме, построенном по проекту японского архитектора. Но и здесь она не находит покоя, скорбя о былых успехах, она ищет компанию молодых людей.
Умерла Тамара де Лемпицка 18 марта 1980 года во сне, и прах ее дочь Кизетта развеяла над вулканом Попокатепетль. О художнице вроде бы забыли, но сейчас она опять вошла в моду. Ее выставки собирают тысячи людей, ее образы тиражируются модными изданиями, ее картины за честь считают приобрести Барбара Стрейзанд, Мадонна и Джек Николсон. Вот и у вас теперь будет представление о них. http://rockkent.narod.ru/Lempicka/Tamara_Lempicka.htm
About Sulamith Wulfing: Born in Germany in 1901, Sulamith Wulfing began drawing at the age of 4. Her family concerned itself with spiritual matters; in fact, her father was a Theosophist.
A touch of the supernatural embues all her work. She attended Art College in Wuppertal and completed her course of studies there in 1921. Her home and much of her art was destroyed during WW2. She continued to draw and paint until her death in 1989.
Sulamith Wulfing родилась в Германии в 1901 году. Рисовать она начала в 4 года. Её семья была очень верующей, отец даже был теософом. Все работы Sulamith Wulfing пронизаны легким прикосновением сверхъестественного. Образование она получила в художественной школе в Wuppertal, которую закончила в 1921 году. Главная и очень большая часть работ художницы была уничтожена во время Второй мировой войны. Жила Sulamith долго, почти весь 20 век и рисовала нежные, тонкие рисунки до самой смерти в 1989 году.
Сообщение N: 722
Зарегистрирован: 26.04.07
Откуда: Германия
Рейтинг:
4
Отправлено: 24.05.09 13:01. Заголовок: Алексей Кондратьевич Саврасов
Алексей Кондратьевич Саврасов родился 24 мая 1830 года. Скрытый текст
Алексей Кондратьевич Саврасов родился 24 мая 1830 года в семье московского купца третьей гильдии.
В ранней юности у будущего художника обнаруживаются незаурядные способности к живописи. Вопреки желанию отца, который мечтал "приспособить сына к коммерческим делам", Саврасов в 1844 году поступает в Московское училище живописи и ваяния. В 1848 году в отчетах Совета Московского художественного общества упоминается об успехах лучшего ученика перспективного и пейзажного класса А. К. Саврасова, которым руководит известный московский "видописец" К. И. Рабус.
На средства И. В. Лихачева, мецената, члена Совета Московского художественного общества, Саврасов в числе учащихся летом 1849 года едет на юг России и пишет виды Одессы и Малороссии. За программные работы этого года художника награждают похвальным листом, а 25 сентября 1850 года он кончает Училище и получает звание неклассного художника за картины "Вид Московского Кремля при луне" и "Камень у маленького ручья".
Первые пейзажи Саврасова непосредственно связаны с традициями академической школы. В академической пейзажной живописи 40-50-х годов преобладало романтическое направление, к нему был близок и учитель Саврасова. В юношеских произведениях Саврасова - "Вид Москвы с Воробьевых гор" (1848, ГТГ), "Вид Кремля в ненастную погоду" (1851, ГТГ) - сказалось внешнее влияние романтизма. Однако пейзажи Саврасова отличались живыми наблюдениями, искренностью чувств.
Летом 1854 года художник работает у Финского залива под Петербургом. На осенней выставке в Академии художеств (6 октября 1854 г.) привлекли внимание две его картины: "Вид в окрестностях Ораниенбаума" и "Морской берег в окрестностях Ораниенбаума", за которые художнику присваивается звание академика.
Обе картины значительно отличаются от его прежних работ. Избрав традиционный романтический мотив, художник ищет поэтичность не во внешних эффектах, а в лирическом воспроизведении природы. С любовью он передает очарование летнего вечера на взморье, влажность морского воздуха в тени вековых валунов, сумрак под широко раскинувшимися ветвями деревьев.
В Москве Саврасов снова участвует в выставках Училища живописи и ваяния, а после смерти своего учителя в 1857 году становится руководителем пейзажного класса. Преподавание идет успешно, Саврасова окружают любящие друзья и ученики.
В том же году он женится на Софье Карловне Герц, сестре известного археолога и историка искусства. В их доме собираются художники, деятели искусства, меценаты (в том числе и П. М. Третьяков), читаются литературные новинки, ведутся оживленные беседы, споры по вопросам, волновавшим в то время русское общество.
Особенно дружен был А. К. Саврасов с В. Г. Перовым, инициатором создания Товарищества передвижных выставок. В. Г. Перов помогал художнику писать фигуры бурлаков в картине "Волга под Юрьевцем", Саврасовым же написан пейзаж в картинах Перова "Птицелов" и "Охотники на привале".
Значительный этап в творческом развитии художника представляет картина "Пейзаж с рекой и рыбаком" (1859, Гос.. художественный музей Латвийской ССР). Здесь нет ни борьбы стихий, ни поражающих контрастов освещения. Спокойные линии берега, плавный силуэт купы деревьев, мягкий солнечный свет, озаряющий подмосковную долину.
Для русского искусства 60-е годы прошлого столетия были временем утверждения национального характера русского пейзажа. Все чаще пейзажисты обращаются к изображению преимущественно сельской среднерусской полосы, стремятся правдиво передать красоту родной земли.
Много работает Саврасов в окрестностях Москвы: "Вид в селе Кунцево" (1855, ГТГ), "Вечерний пейзаж" (1861, Гос. художественный музей Латвийской ССР), "Сельский вид" (1867, ГТГ). Саврасов
Весной 1862 года по предложению Общества любителей художеств А. К. Саврасов выехал за границу, посетил Всемирную художественную выставку в Лондоне, побывал в Копенгагене, Берлине, Дрездене, Лейпциге, Париже, Мюнхене, прожил два месяца в горной Швейцарии. Английские и немецкие мастера привлекли внимание художника "стремлением к правде и самостоятельности".
Наиболее значительным произведением Саврасова 60-х годов была картина "Лосиный остров" (1869, ГТГ), удостоенная первой премии на конкурсе Московского Общества любителей художеств. Отмечая эту удачу, один из современников писал об умении художника "поэтично пе-ренесть на полотно знакомый каждому из нас клочок природы из окрестностей Москвы". Величавый и торжественный сосновый бор стоит, как страж раскинувшихся далей.Ясный летний день.На лугах мирно пасется стадо. Тщательно разработана в пейзаже каждая деталь: кусты, деревья, трава на поляне. Здесь художник раскрывает значительность обычного и повседневного в природе. Картина
"Лосиный остров" относится ко времени расцвета творчества художника. Последующие годы ознаменованы созданием лучших его произведений.
В декабре 1870 года А. К. Саврасов вместе с женой едет на Волгу. Он живет в Ярославле, под Костромой, в Нижнем Новгороде, Юрьевце.
Картина "Печерский монастырь под Нижним Новгородом" (1871, Горьковский гос. художественный музей) - одно из самых больших полотен художника и первый из известных его волжских пейзажей. Саврасов покорен величавой торжественностью, необъятными просторами волжской природы, ее органической связью с жизнью человека, с жизнью русского народа.
В широкую панораму пейзажа естественно вписаны дома слободки с садами, зеленеющие луга, синие лагуны, песчаные отмели, и над всем - возвышающийся белокаменный монастырь. Природа и человек в картине едины.
Саврасов"Тихая жизнь в Ярославле позволяет мне сосредоточенно заниматься искусством", - пишет художник П. М. Третьякову. Одна за другой появляются картины "Волга под Юрьевцем" (1871, местонахождение неизвестно), "Разлив Волги под Ярославлем" (1871, ГРМ) и, наконец, "Грачи прилетели" (1871, ГТГ), появившаяся на Первой передвижной выставке, восторженно принятая всеми.
"Пейзаж „Грачи прилетели" есть лучший, и он, действительно прекрасный, хотя тут и Боголюбов, и барон Клодт, и И. И. (Шишкин. - О. И.). Но все это - деревья, вода и даже воздух, а душа есть только в „Грачах"", - писал И. Н. Крамской Ф. А. Васильеву. Появлению картины предшествовали этюды с натуры, написанные художником в Ярославле и в селе Молвитиново близ Костромы.
Неяркий и тонкий колорит, построенный на мягких сочетаниях серых, коричневых, белых и голубых тонов, передает перламутровую нежность весенних красок. В северной природе после долгой зимы пробуждение наступает медленно. Снег долго лежит на полях, коченеют на ветру деревья, и вдруг все наполняется легким трепетом жизни, радостным гомоном птиц. Белоствольные березки тонкими ветвями устремляются к легким облакам, голубеющему небу, под теплым дуновением ветра розовеют и набухают почки, шумные грачи вьют гнезда. Воздух весенний, легкий, прозрачный и ясно видны высокая каменная церквушка с шатровой колокольней и широкие просторы полей с рекой вдалеке.
"Какая простота! - писал И. И. Левитан. - Но за этой простотой вы чувствуете мягкую, хорошую душу художника, которому все это дорого и близко его сердцу". Никто до Саврасова не мог так глубоко и поэтично раскрыть красоту и лиричность русского пейзажа. Картина "Грачи прилетели" способствовала успеху Первой передвижной выставки. С тех пор Саврасов прочно связал свою творческую деятельность с Товариществом передвижных выставок.
Многие произведения художника, которые появлялись на выставках передвижников, были написаны в Поволжье. Саврасов бывал под Нижним Новгородом и под Казанью, но больше всего любил места между Ярославлем и Костромой. Его картины многообразны по передаче состояния природы, диапазону чувств. В пейзаже "Разлив Волги под Ярославлем" (1871, ГРМ) спокойная мощь русской природы, "разливы рек, подобные морям".
В одних произведениях природа предстает обновленной, ликующей - "Проселок" (1873, ГТГ), "Радуга" (1875, ГРМ), в других - взволнованной, поэтически приподнятой - "Вечер. Перелет птиц" (1874, Одесская картинная галерея).
В 70-е годы в произведениях Саврасова все более ощущается печаль, тревога, а то и острая тоска: "Лунная ночь. Болото" (1870, ГТГ), "Закат над болотом" (1871, ГРМ).
Под впечатлением личной трагедии (смерть дочери в 1871 г.) Саврасов создает одно из самых драматических своих полотен "Могилы над Волгой" (1874, частное собрание).
В конце 70-х годов художник тяжко заболевает, в творчестве его заметны черты упадка. Но и в поздний период появляются подлинно поэтические произведения, и среди них - "Рожь" (1881, ГТГ), "Зимний пейзаж" (частное собрание), "Северная деревня", "Весна. Огороды" (1883, Пермская гос. художественная галерея).
Нелегкими оказались для художника последние десятилетия. Известны прошения Саврасова о денежных ссудах, о казенной квартире: эти годы А. К. Саврасов провел в глубокой нужде и умер 26 сентября 1897 года в Москве.
Его ученик И. И. Левитан писал: "Не стало одного из самых глубоких русских пейзажистов, с Саврасова появилась лирика в живописи пейзажа и безграничная любовь к своей родной земле. Да, покойный Саврасов создал русский пейзаж, и эта его несомненная заслуга никогда не будет забыта в области русского художества".
Сообщение N: 691
Настроение: отличное
Зарегистрирован: 09.04.07
Рейтинг:
3
Отправлено: 22.10.09 19:30. Заголовок: Спасибо , Jenny . В ..
Спасибо , Jenny . В этой суете жизни просто другой раз забываешь о том , что и до тебя жили и творили и страдали ... Всегда приятно вернутся к истокам чистого . А дар художника , писателя ,рифмоплета этому способствует . Благородна стезя этих Б-огом одаренных . И мы получаем от них дар искры дарования . Еще раз , спасибо.
Сообщение N: 597
Зарегистрирован: 10.04.07
Рейтинг:
4
Отправлено: 25.10.09 01:37. Заголовок: некоторые картины по..
некоторые картины похожи на Матисса , наверняка я ошибаюсь, ни одна из картин не знакома. но мне ближе ренессанс... не сочтите старой особенно Рафаель http://www.centre.smr.ru/win/pics/pic0166/p0166.htm Jenny, расскажи, пожалуйста, о незнакомых картинах
Сообщение N: 1311
Зарегистрирован: 26.04.07
Откуда: Германия
Рейтинг:
4
Отправлено: 25.10.09 01:44. Заголовок: rusalka , а тебе нра..
rusalka , а тебе нравятся работы Н. Гончаровой?
Н. С. Гончарова принадлежала к старинному дворянскому роду, приходилась двоюродной правнучкой жене А. С. Пушкина. До того, как начала заниматься искусством, Гончарова посещала занятия в Московском университете. В 1901 г. поступила в МУЖВЗ, где училась на скульптурном отделении у С. М. Волнухина и П. П. Трубецкого. В 1904 г. за свои скульптурные работы она получила малую серебряную медаль и вскоре оставила училище.
В 1900-х гг. Гончарова много путешествовала, тогда же начала заниматься живописью. Ее ранние импрессионистские работы с успехом демонстрировались на выставках МТХ, "Мира искусства" и др. В 1906 г. ее пригласил С. П. Дягилев для участия в русском отделе Осеннего Салона в Париже.
Сообщение N: 695
Настроение: отличное
Зарегистрирован: 09.04.07
Рейтинг:
3
Отправлено: 25.10.09 09:21. Заголовок: ... некоторые картин..
... некоторые картины похожи на Матисса ... Прошу прощения у дам , что вмешался в светский разговор . Картины , написанные мастерами , редко опознаются дилетантами . Может в этом и есть сермяжная правда о том , что один , увидев поле цветущих подсолнухов , увидит что-то для масла (то бишь , для роста растений) есть вода!!!!! и восхвалит создателя за удачный дождевой год ... влага всем нужна , а другой , увидит необычайную игру красок и теней , попробует это запечатлеть на холсте . Но ведь эта самая сермяжная правда заключается в и том , что не будь мастера возделования этого самого масла (подсолнуха и пр. пр.) , не было бы средств или подручных средств (холста то же) для создания красок у последних , использующих создания этих полотен . А посему нет особых волнений у тех , которые не знают авторов картин . Первоначальный исход их работ , "енто" работа пахаря . А все последующее - вторично . Сначала кусок хлеба , затем - творчество . Вроде бы так в нашей жизни . Ошибаюсь - поправьте . Особо "нет особых озабоченностей" (М.Горбачев) у зрителей . Главное , что труд и пахарей и художников достиг цели .Донести свое видение до потомков . [реклама вместо картинки]
Фернандо Ботеро родился в 1932 году в городе Медельин, известном в мире своим картелем наркодельцов. Его семья потеряла своe состояние, а отец умер, когда будущий художник был еще очень юным. В детстве Фернандо мечтал - стать тореро, но в 15 лет вдруг заявил матери, что желает стать художником и больше никем. Это совершенно не вписывалось в ппланы его консервативной родни, которая считала, что искусство может быть увлечением, но не профессией. Несмотря на это Ботеро постепенно добился того, чтобы его иллюстрации стали появляться в газете «Эль-Коломбиано». В качестве иллюстратора он проработал до 1951 года, когда решился уехать в Европу в поисках новых знаний.
Эта была его первая поездка за пределы родины. До Испании он добрался на корабле. Уже в Мадриде записался в художественную школу Сан-Фернандо. Через некоторое время приехал во Флоренцию, где обучался в Академии Св. Марка у профессора Бернарда Беренсона. Там он познакомился с итальянским Возрождением. Позже, в 1952 Ботеро вернулся на родину, и устроил свой первый вернисаж в галерее Лео Матиса.
В том же 1952 году он принял участие в конкурсе Национального художественного салона, где его картина «У моря» получила второе место. Но, в общем, молодой художник мало чем выделялся среди сотен своих талантливых соотечественников. Его картины были настолько разнородны, что посетители поначалу сочли, что это выставка нескольких художников. Диапазон художников, оказавших влияние на его первые картины, колебался от Поля Гогена до мексиканских живописцев Диего Риверы и Хосе Клементе Ороско. Правда, юный самоучка из городка в Андах никогда не видел оригинальных работ этих художников, как, впрочем, и других. Его знакомство с живописью ограничивалось репродукциями из книг.
До 1955 года Ботеро рисовал, в основном, обычных мужчин, женщин и животных, тогда он еще не открыл для себя ни «толстушек», ни монументальные скульптуры, которым он обязан своей всемирной славой. Они «пришли» как бы случайно, когда однажды в «Натюрморте с мандолинной» инструмент вдруг «растолстел» до смешного. Это был момент истины для Ботеро - он нашел свою нишу в искусстве.
В 1964 году Фернандо женился на Глории Сеа, которая впоследствии родила ему троих детей. Позже они перебрались в Мексику, где испытывали большие материальные трудности. За этим последовал развод, и тогда художник перебрался в Нью-Йорк. Деньги быстро закончились, а его знание английского оставляло желать лучшего. Тогда художник вспомнил свой «европейский» опыт и стал, копировать старых мастеров.
Одновременно он работал над собственными произведениями, и вскоре, в 1970 году выставился в Галерее Мальборо. Так началась его мировая известность. Ботеро вернулся в Европу, и на этот раз его приезд был триумфальным.
Сейчас Ботеро творит в разных странах мира: в его доме в Париже он пишет большие полотна, в Италии проводит лето со своими сыновьями и внуками, создает скульптуры, на Лазурном берегу и в Нью-Йорке рисует акварелью и тушью. Уже сейчас творческое наследие Ботеро огромно - это почти 3 тысячи живописных полотен и более 200 скульптурных произведений, а также бесчисленное количество рисунков и акварелей. Ни в какой другой теме не проявляются у Ботеро объемные формы столь агрессивно, как в обнаженных женских образах; ни один другой мотив его художественного мира не остается так долго в памяти, как эти грузные фигуры с преувеличенно полными бедрами и ногами. Именно они вызывают самые сильные чувства у зрителя: от неприятия до восхищения.
Его покорение Парижа завершило пятнадцатилетнюю борьбу за успех и превратило в одного из самых значимых из ныне живущих художников мира. В 1992 году Жак Ширак, будучи в то время мэром Парижа, предложил Ботеро провести персональную выставку на Елисейских Полях. Такой чести не удостаивался до этого ни один иностранный художник.
С тех пор разные города мира приглашают Фернандо Ботеро, чтобы он своим творчеством украшал праздники. Так было в Мадриде, Нью-Йорке, Лос-Анджелесе, Буенос Айресе, Монте-Карло, Флоренции... Другие города приобрели его произведения за очень большие суммы, и многие стоят в очереди.
Его произведения считаются одними из самых дорогих в мире, так, например, его картина «Завтрак на траве», была продана за миллион долларов. В России есть его скульптурная композиция «Натюрморт с арбузом» (1976-1977). Он подарил ее «Эрмитажу», где она и выставлена в Зале искусства Европы и Америки ХХ века.
Ботеро не стал отшельником, он всегда отзывается на то, что происходит в мире. Недавно он создал серию картин, которые рассказывают об издевательствах американских военных над заключенными в иракской тюрьме «Абу-Грейб»
Серия «Абу-Грейб», по словам Ботеро, продолжает тему жестокости и насилия в мире. Она состоит из 48 живописных полотен и рисунков, изображающих обнаженных заключенных, которых травят собаками и избивают тюремщики. Впервые серия была показана в Колумбии в апреле 2005 года. Ботеро заявил, что тема «Абу-Граиб» будет продолжена. «Я еще не сказал всего, что хочу сказать по этому поводу. Есть еще сюжеты афганских тюрем, американской базы Гуантанамо на Кубе», - говорит художник.
Сообщение N: 1853
Зарегистрирован: 26.04.07
Откуда: Германия
Рейтинг:
4
Отправлено: 13.01.10 16:42. Заголовок: Леда
"Я не раз посвящал посты Елене Троянской и при этом совершенно не уделил внимания её маме - Леде. Леда зачала Елену от Зевса, который появился перед ней в образе прекрасного лебедя. Сюжет "Леда и лебедь" издавна привлекал к себе внимание художников и скульпторов, я выложу мои любимые произведения на эту тему."
Сообщение N: 1963
Зарегистрирован: 26.04.07
Откуда: Германия
Рейтинг:
4
Отправлено: 22.02.10 20:08. Заголовок: Leda and the Swan
Leda and the Swan Falconet, Étienne-Maurice
Этьен Морис Фальконе (Etienne Maurice Falconet), 1716-1791 гг. · художник и теоретик искусства, выдающийся мастер французской скульптуры "века Просвещения", автор знаменитого "Медного всадника". http://www.greekroman.ru/gallery/art_falconet.htm
Сообщение N: 1964
Зарегистрирован: 26.04.07
Откуда: Германия
Рейтинг:
4
Отправлено: 23.02.10 14:14. Заголовок: Петр Карлович Клодт
УКРОЩЕНИЕ КОНЕЙ
Уже в 1831 году Клодт получил большой правительственный заказ и вместе с опытными скульпторами С.С. Лимоновым и В.И. Демутом-Малиновским принял участие в работе, связанной со скульптурным оформлением арки триумфальных Нарвских ворот.
По модели Клодта в 1833 году выполнена из кованой меди шестерка коней, впряженных в колесницу Славы, установленную на аттике арки. В трактовку этого мотива, давно уже ставшего традиционным в монументально-декоративной скульптуре классицизма, Клодт внес немало нового и оригинального. В отличие, например, от коней Демута-Малиновского и Пименова на арке Главного штаба кони Клодта представлены стремительно скачущими и взвивающимися на дыбы; они придают всей скульптурной композиции характер бурного движения и порыва.
Однако эта первая работа молодого мастера в целом ещё принадлежит искусству классицизма; новаторские и реалистические тенденции творчества Клодта выступили несколько позже. А потом Клодт приступил к работе над скульптурными группами «Укрощение коней». В августе 1833 года модели обеих групп были уже готовы, утверждены императором и доставлены для обсуждения в Академию художеств. Члены академического совета выразили полное удовлетворение работой Клодта. Было принято решение выполнить обе группы в большом размере, а Клодта «избрать в назначенные академики» — отличие, которого питомцы Академии удостаивались лишь после завершения пенсионерского стажа. Пятью годами позднее Клодт был избран в академики и назначен профессором скульптуры. Отсюда открывался прямой путь к вершинам академических почестей.
Памятник Николаю I на Исаакиевской площади
Своеобразие реалистической эстетики Клодта заключается в первую очередь в том, что она не порывает с традицией классицизма, не отрекается от ее достижений, а как бы вбирает их в себя и перерабатывает в соответствии с потребностями и запросами нового времени. Таким образом, в первом периоде своей деятельности, к которому относятся группы «Укротители коней», Клодт явился не только новатором, но и преемником традиций национальной скульптуры.
Работа над «Укротителями коней», прерванная на тот период, когда Клодт был занят скульптурой Нарвских ворот, возобновилась с середины тридцатых годов. В это время в Петербурге уже шла подготовка к перестройке Аничкова моста. Клодт заинтересовался проектом ещё до того, как начались строительные работы, и выступил с предложением установить скульптурные группы не на Адмиралтейском бульваре, а на новом Аничковом мосту.
В 1838 году первая группа уже была вылеплена в большом размере и подготовлена к переводу в бронзу. Но тут внезапно умер, не оставив преемника, крупнейший мастер художественного литья В.П. Екимов, неизменный сотрудник всех больших скульпторов того времени.
Клодт решил сам заняться отливкой своего произведения. С основами литейного дела он познакомился ещё на службе в артиллерии, а впоследствии, став вольнослушателем Академии, изучал художественное литье под руководством Екимова. Обладая такой подготовкой, Клодт вполне мог заменить умершего литейного мастера. С 1838 года он возглавил Литейный двор, активизировал его работу и внес в нее ряд существенных усовершенствований.
Между 1838 и 1841 годами Клодт перевел в бронзу обе свои группы и приступил к отливке повторных экземпляров. 20 ноября 1841 года состоялось торжественное открытие нового Аничкова моста. На его западной стороне (обращенной к Садовой улице) стояли две бронзовые группы, а на восточной (обращенной к Литейному проспекту) —- две аналогичные группы, отлитые из гипса и окрашенные под бронзу.
В этот день к скульптору пришла слава. Успех конных групп Клодта можно сравнить только с триумфом картины Брюллова «Последний день Помпеи». Подобно этой картине, клодтовские укротители коней» явились новым свидетельством того, что русские художники способны создавать ценности мирового значения. Вскоре работа Клодта приобрела европейскую известность.
Повторные экземпляры обеих групп, отлитые из бронзы в 1842 году, так и не попали на предназначенное им место: они были перевезены в Берлин и установлены на пьедесталах по обеим сторонам главных ворот королевского дворца. В 1843 — 1844 годах Клодт в третий раз отлил бронзовые экземпляры и поставил их на восточной стороне моста. Но и им, однако, недолго пришлось оставаться на месте. Весной 1846 года они были сняты и отправлены в Неаполь, где поныне стоят у входа в дворцовый сад.
Декоративные качества двух первых групп Аничкова моста встретили высокую оценку со стороны русских зодчих. «Укротители коней» украшают сады и дворцовые здания в Петергофе и Стрельне, а также в подмосковной усадьбе Кузьминки. Между тем гипсовые экземпляры групп в 1846 году вернулись на восточную сторону Аничкова моста. Но Клодт уже не предполагал заново отливать их из бронзы. В работе художника началась иная фаза. Он задумал создать не повторение готовых изваяний, а как бы продолжение и завершение начатого ансамбля; прежние темы должны были варьироваться в новых художественных формах. Скульптор вновь изобразил коня, вырывающегося в яростном порыве, и коня, укрощенного водителем, но придал своим персонажам иные движения, иную композицию и иной сюжетный смысл.
Выполнение новых моделей потребовало от Клодта почти четырех лет труда. Только в 1850 году гипсовые экземпляры «Укротителей коней» в последний раз покинули восточную сторону Аничкова моста. Солдаты саперного батальона под руководством самого Клодта поставили на их место новые бронзовые группы. Скульптурный ансамбль, над которым так долго работал художник, наконец был завершен. Четыре конные группы, украшающие Аничков мост, представляют собой развернутую драматическую серию, в которой последовательно развивается один сюжет — покорение коня человеком. В основе замысла мастера лежит тема победы человека над стихийным могуществом природы, образ мятежной силы, укрощаемой разумом.
Сообщение N: 1967
Зарегистрирован: 26.04.07
Откуда: Германия
Рейтинг:
4
Отправлено: 23.02.10 16:30. Заголовок: Конная статуя Марка Аврелия
Статуя Марка Аврелия — бронзовая древнеримская статуя, которая находится в Риме в Новом дворце Капитолийских музеев. Была создана в 160—180-е года.
Первоначально позолоченная конная статуя Марка Аврелия была установлена на склоне Капитолия напротив Римского форума. Это единственная конная статуя, уцелевшая с античности, поскольку в средние века считалось, что изображает она св. Константина.
В XII веке статую перенесли на площадь Латерана. В XV веке ватиканский библиотекарь Платина сравнил изображения на монетах и распознал личность всадника. В 1538 году её поместили на Капитолии по распоряжению папы Павла III. Цоколь для статуи сделал Микеланджело; на нем написано: «ex humiliore loco in area capitoliam».
Статуя лишь в два раза превышает натуральную величину. Марк Аврелий изображён в солдатском плаще (лат. paludamentum) поверх туники. Под поднятым копытом коня прежде находилась скульптура связанного варварa.
Конная статуя Марка Аурелия, выполненная в бронзе и чудом сохранившаяся, после систематического уничтожения и переплава в средневековье скульптур считавшихся языческими. Эта статуя сохранилась только потому что её, по ошибке, приняли за конную статую императора Константина, который легализовал христианство, и только по этой причине она была сохранена и не переплавлена. Оригинал статуи, являющийся абсолютным шедевром находится в музее ( на площади стоит её подлинная копия). Марк Аурелий, сильная и яркая личность, заключает в себе все стремления и усилия человека II века н.э. понять этот удивительный мир, человека который постоянно путешествовал для укрепления и познания своей личности и своей империи. В этой статуи он увековечен на своём коне, на котором он отправлялся в дальние дороги. Император, с поднятой вверх рукой, может быть в знак перемирия или прощения, находится в спокойном и задумчивом положении мудрого человека, в личности которого сочетались как мудрость философа, каким от был в своей частной жизни, так и сила императора необъятной империи, каким он был на публике. Подробности этой скульптуры (борода, вены, сандалии, мускулы коня) нам прекрасно передают профессионализм артиста выполнившего это творение во II веке н.э.
Марк Аврелий оставил философские записи - 12 написанных на греческом языке «книг», которым обычно приписывают общее название «Рассуждения о самом себе». Учителем философии у Марка был Максим Клавдий.
В центре его антиматериалистического учения стоит частичное обладание человеком своим телом, душой и духом, носителем которых является благочестивая, мужественная и руководимая разумом личность — владычица (правда, только над духом), воспитатель чувства долга и обитель испытующей совести. Посредством духа все люди принимают участие в божественном и этим создают идейную общность, преодолевающую все ограничения. В Марке Аврелии трагически сочетались мужество и разочарованность.
Сообщение N: 1979
Зарегистрирован: 26.04.07
Откуда: Германия
Рейтинг:
4
Отправлено: 07.03.10 18:15. Заголовок: Амур и Психея
Психея
Психея, Психе (╚душа, дыхание╩), в греческой мифологии олицетворение души, дыхания. П. отождествлялась с тем или иным живым существом, с отдельными функциями живого организма и его частями. Дыхание человека сближалось с дуновением, ветром, вихрем, крылатостью. Души умерших представляются вихрем призраков вокруг Гекаты, призрак Ахилла под Троей появляется в сопровождении вихря (Philostr. Heroic. Ill 26). Психея представлялась на памятниках изобразительного искусства в виде бабочки, то вылетающей из погребального костра, то отправляющейся в аид. Иногда бабочка прямо отождествлялась с умершим (Ovid. Met. XV 374). Греческое слово ╚Психея╩ означает ╚душа╩ и "бабочка" (Аристотель, История животных, IV 7). П. представлялась и как летящая птица. Души умерших в аиде рисуются летающими (Horn. Od. XI 37, 605), они слетаются на кровь (XI 36-43), порхают в виде теней и сновидений (XI 217-222). Душа Патрокла удаляется с ╚писком╩ (Нот. 11. XXIII 100), причём употребляется глагол ╚щебетать╩, ╚пищать╩. Души убитых Одиссеем женихов также уходят в аид с писком нетопырей (Нот. Od. XXIV 5-9). П. представлялась в виде орла, устремляющего ввысь свой полёт. В ряде текстов Гомера диафрагма воспринимается как П.- душа (Нот. II. XVI 530; Od. I 322). Кровь - тоже носитель души; у раненого душа выходит через рану вместе с кровью (Нот. II. XIV 518 след.) или её вырывают вместе с остриём копья (XVI 505). По Пифагору П. питается кровью; кровь - ╚седалище души╩ (Serv. Verg. Aen. V 79). Объединив различные мифы о П., Апулей создал поэтическую сказку о странствиях человеческой души, жаждущей слиться с любовью (Apul. Met. IV 28 - VI 24). С помощью Зефира Амур получил в жёны царскую дочь П. Однако П. нарушила запрет никогда не видеть лица своего загадочного супруга. Ночью, сгорая от любопытства, она зажигает светильник и восхищённо смотрит на юного бога, не замечая горячей капли масла, упавшей на нежную кожу Амура. Амур исчезает, и П. должна вернуть его себе, пройдя множество испытаний. Преодолев их и даже спустившись в аид за живой водой, П. после мучительных страданий вновь обретает Амура, который просит у Зевса разрешения на брак с возлюбленной и примиряется с Афродитой, злобно преследовавшей П. Рассказ Апулея имеет явно фольклорные и мифологические истоки.
А. Ф. Лосев.
Амур и Психея
Давным-давно, в незапамятные времена, рассказывает римский поэт Апулей, жил-был на свете царь. И была у него дочь по имени Психея. Так прекрасна была Психея, что даже боги заглядывались на нее. И в конце концов один из них — Амур — добился того, что получил разрешение взять Психею в жены. Правда, как это было принято в те времена у богов, его женитьба сопровождалась странным условием: Амур мог прилетать к Психее только в темноте. Видеть лицо своего суженого Психея не имела права. Поставьте себя на место Психеи, и вы поймете, как разбирало ее любопытство. И вот однажды бедная девушка не выдержала. Когда Амур уснул, она зажгла светильник и близко-близко поднесла его к лицу мужа. Как же прекрасен он был! От восхищения у Психеи перехватило дыхание, и она не могла отвести восхищенного взора от Амура. Вдруг — ужасный миг! — капля горячего масла упала прямо на нежную кожу прекрасного бога. Он проснулся и... исчез.
Экспрессиони́зм (от лат. expressio, «выражение») — авангардистское течение в европейском искусстве, получившее развитие в конце ХIX — начале XX века, характеризующееся тенденцией к выражению эмоциональной характеристики образа(ов) (обычно человека или группы людей) или эмоционального состояния самого художника. Экспрессионизм представлен во множестве художественных форм, включая живопись, литературу, театр, кинематограф, архитектуру и музыку.(Wiki.)
Эрнст Людвиг Кирхнер Эрнст Людвиг Кирхнер (нем. Ernst Ludwig Kirchner; 6 мая 1880, Ашаффенбург — 15 июня 1938, Фрауенкирх-Вильдбоден возле Давоса) — видный немецкий художник, классик немецкого экспрессионизма.
Сообщение N: 2366
Зарегистрирован: 26.04.07
Откуда: Германия
Рейтинг:
4
Отправлено: 21.07.10 00:24. Заголовок: Это многоликое ЯБЛОКО.
Богиня раздора Эрида, обиженная тем, что её не пригласили на свадебный пир Пелея и Фетиды, решила отомстить богам и подбросила пирующим яблоко с надписью «Прекраснейшей». Тотчас между тремя богинями: женой Зевса Герой, воительницей Афиной и богиней любви Афродитой — возник спор: кому по праву принадлежит яблоко? Богини обратились к Зевсу, но тот отказался быть судьёй. Зевс отдал яблоко Гермесу и велел отвести богинь в окрестности Трои к прекрасному сыну царя Трои Парису, который и должен выбрать прекраснейшую из трёх богинь. Каждая из них стала убеждать Париса отдать яблоко ей, суля юноше великие награды. Гера пообещала Парису власть над всей Азией, Афина — военные победы и славу. Парис отдал яблоко Афродите, которая обещала наградить его любовью любой женщины, которую он выберет. При этом она в восторженных выражениях описала ему Елену Прекрасную, дочь громовержца Зевса и Леды и жену Менелая, царя Спарты. Это привело к похищению Елены Парисом, что и стало причиной Троянской войны. Парис стал любимцем Афродиты, и она во всём помогала ему. Гера и Афина возненавидели Париса и всех троянцев.
На аукционе Sotheby’s скульптура «Шагающий человек I» Альберто Джакометти была продана за $104,3 млн. Таким образом, работа швейцарского мастера стала самым дорогим произведением искусства, когда-либо проданным на аукционе, побив рекорд Пабло Пикассо. Эксперты объясняют это повышенным интересом к творчеству Джакометти со стороны российских миллиардеров.
Бронзовая скульптура «Шагающий человек I» работы швейцарского скульптора и живописца Альберто Джакометти 3 февраля установила новый рекорд на лондонском аукционе Sotheby’s. При эстимейте в $28,6 млн она была приобретена за $104,3 млн, став самым дорогим произведением искусства, когда-либо проданным на аукционе. За «Шагающего человека I» боролись 10 человек, однако потребовалось всего восемь минут, чтобы скульптура «ушла» к анонимному покупателю, участвовавшему в торгах по телефону.
Сообщение N: 2805
Зарегистрирован: 09.04.07
Откуда: Россия
Рейтинг:
4
Отправлено: 02.08.10 07:22. Заголовок: Jenny пишет: Что ка..
Jenny пишет:
цитата:
Что касается обладателя самой дорогой в истории скульптуры, то во французских арт-кругах со ссылкой на американские источники утверждают: беспрецедентную сумму выложил Роман Абрамович.
Спрашивается, сколько же баланов надо перекатать, что бы заработать такие деньги.
Сообщение N: 2427
Зарегистрирован: 26.04.07
Откуда: Германия
Рейтинг:
4
Отправлено: 06.08.10 16:00. Заголовок: Я прочитала, что он ..
Я прочитала, что он - сирота.
Родился 24 октября 1966 года в Саратове, в еврейской семье. Родители Романа жили в Сыктывкаре (Коми АССР). Отец — Аркадий (Арон) Нахимович Абрамович работал в Сыктывкарском совнархозе, погиб в результате аварии на стройке, когда Роману было 4 года. Мать — Ирина Васильевна (урождённая Михайленко) умерла, когда Роману исполнилось 1,5 года.
До войны родители отца Абрамовича — Нахим (Нахман) и Тойбэ — жили в Литве, в городе Таураге. В июне 1941 семья Абрамовичей вместе с детьми была выслана в Сибирь. Супруги оказались в разных вагонах и потеряли друг друга. Нахим Абрамович погиб на каторжных работах.[12] Тойбэ смогла вырастить троих сыновей — отца Романа и его двух дядей. В 2006 году муниципалитет города Таураге пригласил Романа Абрамовича на празднование 500-летия города.[13] Бабушка Романа Абрамовича по материнской линии Фаина Борисовна Грутман (1906—1991) эвакуировалась в Саратов с трёхлетней дочерью Ириной из Украины в первые дни Великой Отечественной войны.[14]
Адо́льф-Вилья́м Бугро́ (фр. Adolphe-William Bouguereau; 30 ноября 1825, Ла-Рошель, Франция — 19 августа 1905, Ла-Рошель, Франция) — французский живописец эпохи ампира, мастер академической живописи, крупнейший представитель салонного академизма, автор картин на исторические, мифологические, библейские и аллегорические сюжеты, исполнял стенные росписи и портреты.
За свою жизнь Бугро написал 826 картин. Самые известные из них — «Рождение Венеры», «Данте и Вергилий в аду», «Девушка за вязаньем», «Пастушка», «Танец» и др.
Сообщение N: 2809
Зарегистрирован: 26.04.07
Откуда: Германия
Рейтинг:
4
Отправлено: 12.02.11 12:42. Заголовок: Bouguereau
Французский живописец Адольф Вильям Бугро Написал 12_meow 24 января 2009 года
Адольф Вильям Бугро (фр. Adolphe-William Bouguereau)30 ноября 1825 — 19 августа 1905)французский живописец, представитель академизма.Учился в парижской Школе изящных искусств, в 1850 г. удостоен Римскойпремии.Его картины на мифологические сюжеты и жанровые работы в стиле реализма были весьма популярны во Франции XIX века.В то время он даже считался одним из величайших мастеров...
Адольф Вильям Бугро (фр. Adolphe-William Bouguereau) 30 ноября 1825 — 19 августа 1905) - французский живописец, представитель академизма. Учился в парижской Школе изящных искусств, в 1850 г. удостоен Римскойпремии. Его картины на мифологические сюжеты и жанровые работы в стиле реализма были весьма популярны во Франции XIX века. В то время он даже считался одним из величайших мастеров живописив мире. В 1900 году Эдгар Дега и Клод Моне якобы говорили, что в 2000 году Бугро назовут величайшим французским художником XIX века. Его картины, несмотря на высокие цены, бойко раскупались, особенно богатыми американцами. В начале XX века популярность Вильяма Бугро быстро пошла на убыль — отчасти из-за его резкого неприятия импрессионизма, отчасти из-за возросшего интереса к модернизму. Сейчас интерес к работам художника снова растёт.
ulian Beever – британский художник, известный своими рисунками, которые он делает мелом на английских, французских, немецких, американских, австралийских и бельгийских тротуарах. Известен он тем, что создает уникальные работы мелом используя проекцию анаморфирования которая создает иллюзию трех измерений, если смотреть с правильной точки зрения.
Спасибо, мои дорогие! Сколько всего в инете интересного. И радует, что всегда можно найти на русском языке. В блогах. К сожалению, мало свободного времени, чтобы все рассмотреть. Ставлю закладки. Нашла интересного американского художника. Он рисовал море, птичек и орхидеи. Его зовут Martin Johnson Heade.
Серёга , вообще-то Эмиль Вернон - английский художник французского происхождения. Может быть, женщина русская. Во время революции много русских эмигрировало во Францию.
Сообщение N: 2879
Зарегистрирован: 26.04.07
Откуда: Германия
Рейтинг:
4
Отправлено: 01.03.11 14:36. Заголовок: «Портрет жены художн..
«Портрет жены художника». Есть такой фильм. «Портрет жены художника» — художественный мелодраматический фильм с хорошим ансамблем актёров, поставленный в 1981 году режиссёром Александром Панкратовым по мотивам рассказа Юрия Нагибина «Берендеев лес» (1977). Художник Павел Алексеевич проводит с женой Ниной отпуск в небольшом загородном пансионате. Для него это возможность собраться с мыслями и наконец-таки после долгих лет написать новую картину. Нина же, наряду с обычной жизнью отдыхающих, заводит роман с другим мужчиной…(Вик.) Ай-я-яй. Нехорошо Нина поступает.
Сообщение N: 2897
Зарегистрирован: 26.04.07
Откуда: Германия
Рейтинг:
4
Отправлено: 09.03.11 19:54. Заголовок: Franz Xaver Winterhalter
Franz Xaver Winterhalter
Фра́нц Кса́вер Винтерха́льтер (нем. Franz Xaver Winterhalter; 1805—1873) — немецкий живописец и литограф, известный своими портретами царственных особ Европы середины XIX столетия. Его имя тесно связано со светской придворной портретной живописью. Среди наиболее известных полотен Винтерхальтера Императрица Евгения в окружении фрейлин (1855), а также принадлежащие его кисти портреты императрицы Елизаветы Баварской (1864).
Все-таки, какая сложная одежда была в 19 века. Для портретистов, изабражение рюшечек и прочих элиментов одежды так наверное был сущий ад!!! Явно рисовали помошники!!!
Действительно, очень удавались художнику образы, милых, прекрасных, обворожительных женщин. И почему-то эти образы в основном начала прошлого века. Ведь художник умер относительно недавно, а на полотнах нет и следа цивилизации, одни лошадки, запряженные в бричку или кабриолет!!!
Сообщение N: 2962
Зарегистрирован: 26.04.07
Откуда: Германия
Рейтинг:
4
Отправлено: 22.05.11 14:35. Заголовок: 21 мая родился Альбрехт Дюрер
А́льбрехт Дю́рер (нем. Albrecht Dürer, 21 мая 1471, Нюрнберг — 6 апреля 1528, там же) — немецкий живописец и график, признан крупнейшим европейским мастером ксилографии и одним из величайших мастеров западноевропейского искусства Ренессанса.
Роль Дюрера в истории мирового искусства настолько велика, что искусствоведы с полным правом называют конец XV и первую половину XVI веков 'эпохой Дюрера'. Искусству Северных Альп и Германии, все еще носившему средневековый характер, Дюрер сумел привить новаторские формы итальянского Возрождения, что позволяет говорить о дюреровском Ренессансе. Кроме того, Дюрер считается самым совершенным мастером гравюры на дереве и на меди. Он достиг единства пространства и телесного объема персонажей, почти фотографической точности. Великий философ Эразм Роттердамский так говорил о мастерстве художника 'Я восхваляю великое мастерство Альбрехта Дюрера - гравера, позволявшее ему без помощи красок, одними лишь черными штрихами, передать все доступное человеческому зрению и чувству. Дюрер все может выразить в одном цвете, то есть черными штрихами. Тень, свет, блеск, выступы и углубления, благодаря чему каждая вещь предстает перед взором зрителя не одной только своей гранью. Остро схватывает он правильные пропорции и их взаимное соответствие. Чего только не изображает он, даже то, что невозможно изобразить, - огонь, лучи, гром, зарницы, молнии, пелену тумана, все ощущения, чувства, наконец, всю душу человека, проявляющуюся в телодвижениях, едва ли не самый голос. И все это передает он черными точнейшими штрихами...' Альбрехт Дюрер родился в городе Нюрнберге 21 мая 1471 года. Он был третьим из восемнадцати детей золотых и серебряных дел мастера Альбрехта Дюрера старшего. Дюрер-старший был родом из Венгрии. Изучая под руководством отца ювелирное дело, приемы гравировки на металле, Альбрехт особый интерес проявлял к искусству рисунка. Еще будучи тринадцатилетним мальчиком, он выполнил серебряным карандашом свой портрет, с поразительной точностью и верностью передав сходство. http://www.tonnel.ru/?l=gzl&uid=1058
Сообщение N: 3378
Зарегистрирован: 26.04.07
Откуда: Германия
Рейтинг:
4
Отправлено: 22.09.12 20:13. Заголовок: "Осенний день. Сокольники"
"Осенний день. Сокольники"
Запечатлев усыпанную опавшими листьями аллею старого парка, по которой тихо идет изящная молодая женщина в черном (ее Левитану помог написать товарищ по училищу Николай Чехов, брат писателя Антона Чехова), художник наполнил картину элегически-печальными чувствами осеннего увядания и человеческого одиночества. Картина вызывает ассоциации с осенней лирикой в русской поэзии, которую знал и любил Левитан, и в которой в подобных состояниях природы виделись то "грустный взгляд" (Иван Тургенев), то "та кроткая улыбка увяданья, что в существе разумном мы зовем - Божественной стыдливостью страданья" (Федор Тютчев). Плавно изгибающаяся аллея, неотвратимо уходящая вдаль, обрамляющие ее тонкие пожелтевшие клены и темные высокие хвойные деревья, влажная дымка воздуха - все в картине "участвует" в создании проникновенного и целостного "музыкального" образного строя. Замечательно написаны плывущие по пасмурному небу серые облака (отныне "лирика неба", как говорил композитор Борис Асафьев, стала одним из неповторимых достоинств левитановской живописи. "Прочитывается" в Осеннем дне влияние и Василия Поленова, и французского живописца барбизонской школы Камиля Коро, одного из любимейших художников Левитана. Картина "Осенний день. Сокольники" была замечена зрителями и получила, пожалуй, высшую из возможных в то время оценок - приобретена Павлом Третьяковым, основателем знаменитой Государственной Третьяковской Галереи, чутким любителем пейзажной живописи, выше всего ставившим не "красоты природы", но душу, единство поэзии и правды. В последствии Третьяков уже не выпускал Левитана из поля своего зрения, и редкий год не приобретал у него новых работ для своего собрания. (http://isaak-levitan.ru/bio3.php)
Все даты в формате GMT
3 час. Хитов сегодня: 35
Права: смайлы да, картинки да, шрифты да, голосования нет
аватары да, автозамена ссылок вкл, премодерация вкл, правка нет
- участник сейчас на форуме
- участник вне форума
Прикольно. Особенно, череп 
Есть целая тема "Черепа в искусстве". 
Но определенно, впечатляет)
;Будем считать, что вместе в нем искупались.
, наверняка я ошибаюсь, ни одна из картин не знакома. но мне ближе ренессанс... не сочтите старой 
<\/u><\/a> 
<\/u><\/a>
<\/u><\/a>
<\/u><\/a> 
<\/u><\/a>
<\/u><\/a> 
<\/u><\/a> 
<\/u><\/a> 
<\/u><\/a> 
<\/u><\/a>
<\/u><\/a> 
<\/u><\/a>
<\/u><\/a> 
<\/u><\/a> 
<\/u><\/a> 
<\/u><\/a>
<\/u><\/a>
<\/u><\/a>
<\/u><\/a>
<\/u><\/a>
<\/u><\/a>
<\/u><\/a>
<\/u><\/a>
<\/u><\/a>
<\/u><\/a>
<\/u><\/a>
